The Blues are the Roots

Terry Reid - Seed Of Memory (1976)

2011-09-06T18:54:00.000+02:00

Face 1:

1. Faith To Arise

2. Seed Of Memory

3. Brave Awakening

4. To Be Treated Right

Face 2:

1. Ooh Baby (Make Me Feel So Young)

2. The Way You Walk

3. The Frame

4. Fooling You

Très peu célébré pour ses qualités de chanteur, auteur/compositeur et interprète, Terry Reid semble plus connu pour avoir refusé par deux fois "le job du siècle". La première fois en 1968, alors qu'il avait acquis une certaine notoriété, Jimmy Page en quête d'un chanteur pour son futur Led Zeppelin s'intéresse à lui. Ce dernier décline l'offre et envoie le futur guitariste du célèbre dirigeable voir un jeune chanteur de Birmingham du nom de Robert Plant qu'il avait trouvé particulièrement impressionnant. La suite est connue de tous...

La seconde fois à lieu l'année suivante, alors que Deep Purple cherchait à se débarrasser de son chanteur - Rod Evans. Terry Reid décline à nouveau l'offre préférant se concentrer sur sa propre carrière. Le groupe recrutera finalement Ian Gillan et connaîtra le succès dès le premier album sous sa nouvelle formation.

Mais ces deux malencontreux choix de carrière, si ils s'étaient avérés bénéfiques pour Reid, ne doivent pas occulter ses qualités manifestent de chanteur et d'auteur/compositeur. Destiné à une carrière de chanteur de ballades par son producteur et manager Micky Most. Il tentera au gré de ses sept albums de s'éloigner de cette étiquette, en offrant des albums à l'aspect divers et varié, qui pour la plupart ne rencontreront qu'un succès relatif quand il ne s'agit pas purement et simplement d'échec commercial.

Seed Of Memory est un album un peu à part dans la discographie du chanteur britannique. Bien que toutes composées par Terry Reid, les compositions et notamment celle de la première face essentiellement acoustique, renvoient au meilleur des productions CSN ou de Neil Young. On y distingue clairement la patte de Graham Nash qui assure la production de l'album (ses harmonies vocales apportent énormément aux compos de la première face). Et l'apport de pointures comme le joueur de pedal steel Ben Keith (Neil Young) et le guitariste David Lindley (Jackson Brown, Emmylou Harris, Ry Cooder...) apporte cette touche southern à une première face sans faille.

Mais c'est surtout vocalement que le chanteur anglais illumine ce début d'album. Souvent comparée à Rod Stewart et Paul Rodgers, sa voix faite de nuances de graves et d'aigus n'a rien à envier à ses glorieux aînés.

La seconde face quant à elle se veut plus électrique et est à l'opposée de la première. L'ajout de cuivres et notamment du tromboniste Fred Wesley (James Brown) apporte une touche soul rythmée. Une rupture de style peut être un peu trop radicale qui donne l'impression d'avoir deux albums en un. Les compositions tiennent la route mais sont bien moins fortes que celles de la première face.

Quoiqu'il en soit Seed Of Memory est un album à découvrir ou redécouvrir. En particulier pour sa première face, très largement mise à l'honneur dans le road movie macabre - The Devil's Rejects de Rob Zombie (2005). Un coup de projecteur salutaire pour l'un des artistes les plus méconnus de l'histoire du Rock.

The Tedeschi Trucks Band - Le Trianon (Paris) - 07/07/2011

2011-07-14T16:11:00.017+02:00

Si c'est à Bercy en 2006 au concert d'Eric Clapton que j'ai vu et entendu le nom de Derek Trucks pour la première fois. Il faudra néanmoins 5 ans et ce soir de juillet 2011 pour que je vois le bonhomme sur scène pour la première fois en pleine maîtrise de son répertoire. Ce ne sont pourtant pas les occasions qui ont manqué de le voir, le Derek Trucks Band étant venu à plusieurs reprises dans la capitale. C'est en compagnie de sa femme Susan Tedeschi et sous le nom de leur nouveau groupe Tedeschi Trucks Band qu'il officie ce soir dans la splendide salle du Trianon.

La première partie est assurée par le virtuose de la pedal steel, Robert Randolph et de son family band. Un set rondement mené avec une bonne dose d'énergie. A retenir une version survitaminée du Purple Haze de Jimi Hendrix, le fameux titre The March sur lequel Robert montre un pas de danse que le public ne tarde pas à imiter et enfin le moment totalement jubilatoire où chacun des musiciens prend la place de son collègue. Le bassiste jouant de la batterie, le batteur de la pedal steel et Robert Randolph effectuant quelques notes à la basse etc...

Après une telle débauche d'énergie, on se dit que le pari est risqué de prendre un tel groupe en première partie. Ceci dit l'univers musical et la manière d'interpréter la musique étant totalement différente entre les deux groupes que le Tedeschi Trucks Band n'a aucune raison d'avoir peur de se voir voler la vedette.

Le Tedeschi Trucks Band compte pas moins de 11 musiciens sur scène. Mêlant principalement ceux du Derek Trucks Band (le pianiste Kofi Burbridge et le chanteur Mike Mattison relégué aux choeurs) et du groupe de Susan Tedeschi (Tyler Greenwell à la batterie...)

Un groupe qui aurait tout aussi bien pu se nommer Tedeschi Trucks Family Band tant l'amitié qui lie chaque musicien est palpable tout au long du set.

Derek Trucks a bien changer depuis la dernière fois que je l'ai vu. Arborant une barbe parachevant de le faire ressembler à la réincarnation parfaite de Duane Allman.

On aurait pu penser qu'au milieu d'une telle formation que le champ d'action de Derek serait restreint, hors il demeure toujours le guitariste habile, capable de se mettre en avant comme en retrait pour servir au mieux le morceau qu'il interprète. On ventera bien sûr son jeu de slide exceptionnel même si d'autres facettes de son jeu passent malencontreusement à l'as aux yeux du public. Pour ma part je reste impressionné par son jeu de main droite qui fait mouche à tout les coups.

La setlist du concert est principalement composée de titres du premier album de la formation "Revelator". Un album riche et varié où s'entremêlent les influences des deux époux.

Contrairement à ce que l'on pourrait penser, si le groupe tient un virtuose hors pair en la personne de Derek, Susan n'en délaisse pas pour autant la guitare. Jouant des rythmiques funky à la wah-wah comme sur cette version apocalyptique de Sing A Simple Song de Sly & The Family Stone ou assurant seule les chorus sur la complainte Blues That Did It. Mais les moments où cette dernière est absolument époustouflante sont lorsqu'elle laisse de côté la guitare, pour se concentrer uniquement sur son chant qui atteint des sommets fabuleux notamment sur Uptight et Until You Remember.

Une première impression positive donc... l'avenir nous dira si le couple réitérera les albums et tournées ensemble ou si il ne s'agit que d'une simple parenthèse dans la carrière de ces deux musiciens exceptionnels.

SETLIST:

Merci à Arnaud pour les photos ;-)

AC/DC Live at River Plate DVD (2011)

2011-06-08T10:46:00.018+02:00

1. Rock N' Roll Train

2. Hell Ain't A Bad Place To Be

3. Back In Black

4. Big Jack

5. Dirty Deeds Done Dirt Cheap

6. Shot Down In Flames

7. Thunderstruck

8. Black Ice

9. The Jack

10. Hells Bells

11. Shoot To Thrill

12. War Machine

13. Dog Eat Dog

14. You Shook Me All Night Long

15. T.N.T

16. Whole Lotta Rosie

17. Let There Be Rock

18. Highway To Hell

19. For Those About To Rock (We Salute You)

Ayant eu la chance d'assister à l'avant première du Live at River Plate dans un cinéma parisien en mai dernier, c'est avec un peu plus de recul que j'ai pu m'attelé au visionnage du DVD. Quel que soit le support j'en ai tiré les mêmes conclusions.

Bien des noms ont été évoqué quant au lieu où serait filmé ce DVD de la tournée Black Ice. Les concerts du Madison Square Garden de New York du 27 et 28 novembre 2008 ayant été filmé, la rumeur de la probabilité de voir un mix de ces deux soirées comme support d'un DVD a longtemps circulé.

Mais ce sont finalement les 3 soirs du 2,4 et 6 décembre 2009 au River Plate Stadium de Buenos Aires (Argentine) qui ont été retenus pour illustrer la tournée du groupe.

La réputation sulfureuse des fans argentins est certainement la raison principale de ce choix de la part des frères Young. Le choix de filmer sur 3 soirs est aussi un moyen de s'assurer de pouvoir palier aux petites baisses de régimes et ratés que peut comporter un live filmé sur une seule soirée.

Les frangins ont très bien retenu la leçon du très décevant DVD de la tournée précédente - Stiff Upper Lip Live. Enregistré au stade olympique de Munich le 14 juin 2001, le groupe indiquera plus tard en interview avoir regretté de ne pas avoir choisis le concert du Stade de France du 22 juin 2001 comme support pour le DVD de la tournée.

Derrière la caméra on retrouve l'éternel David Mallet, qui a commencé à travailler avec le groupe dès 1986 pour les clips de l'album Who Made Who et filme les concerts du groupe depuis 1990 avec la tournée Razor's Edge.

En ce qui concerne la réalisation, il faut dire qu'elle tranche avec les deux précédents Live (No Bull & Stiff Upper Lip Live) de part l'omniprésence du public argentin. L'apparition d'écrans splittés qui offre un panel de points de vues différent allant du groupe, au public et aux vues aériennes du stade est la grosse nouveauté de ce DVD live. On peut discuter du choix de certains plans (ex: certains plans du public pendant les solos d'Angus) et le fan exigeant regrettera de ne pas assez voir le groupe. Mais il faut admettre que ce montage apporte une certaine fraîcheur et un dynamisme qui pallie à cette impression de déjà vu (la gestuelle scénique du groupe ne bougeant pas d'un iota depuis plusieurs tournées) qui s’immisçait dans les précédentes vidéos live du groupe. L'autre nouveauté réside dans la transition des titres qui se fait sans aucun temps mort ajoutant encore à cette impression de dynamisme.

Autant le dire tout de suite, Live at River Plate est avant tout un live dédié aux fans argentins. Impression renforcée par le mini documentaire en bonus du DVD "The Fan, The Roadie, The Guitar Tech & The Meat" qui revient très largement sur les quelques die hard fans pour qui ces 3 concerts est clairement l'évènement de la décennie.

Un public argentin exceptionnel tout au long de ce live, là où il n'était que spectateur auparavant, il devient ici un acteur à part entière. Scandant les refrains et les riffs de guitares... il porte et assiste le groupe pendant ces deux heures de spectacles sans jamais défaillir.

Côté son, on nous gratifie d'un excellent son 5.1, mixé par le non moins célèbre Mike Fraser (auteur du mixage des albums du groupe depuis The Razor's Edge). A l'heure où l'on hurle déjà au trucage... en cause l'ajout d'overdubs et l'ajout des choeurs studio sur Rock N' Roll Train et Thunderstruck, il est bon de se remémorer la piètre bande son d'un No Bull avec un écho persistant et un Brian Johnson en retrait où les quelques contre performances (Thunderstruck, The Jack, Back in Black...) du Stiff Upper Lip Live.

L'envie des fans d'entendre quelque chose d'authentique et spontané est tout à fait compréhensible mais l'envie d'entendre les fausses notes et approximations (sous prétexte que cela rend le groupe plus humain) l'est beaucoup moins à mes yeux.

AC/DC donnant plus dans le show à l'américaine bien rôdé que dans l'improvisation à risque, les approximations sont inacceptables. Du moins elles passent quand on voit le groupe en concert mais une fois dans son salon c'est une autre histoire.

L'unique réel reproche que l'on peut faire à ce DVD, qui s'étend d'ailleurs aux concerts du groupe reste cette setlist immobile depuis plusieurs tournées avec cette impression de déjà vu persistante (cf. vers la fin du concert à partir de You Shook Me All Night Long) que même un montage original et inventif n'arrive à diminuer.

Ceci dit ne nous méprenons pas, Live At River Plate est clairement un live destiné aux masses et aussi un moyen de montrer qu'au bout de 35 années de carrière la messe n'est pas encore dite.

Et de ce point de vue cela place ce live parmi les meilleures vidéos live du groupe.

Ryan Bingham & The Dead Horses, Paris (La Boule Noire) 13/11/2010

2010-11-17T16:19:00.016+01:00

Avant de me lancer dans la chronique de ce concert, une petite présentation de l'artiste est de rigueur.

Ryan Bingham est né le 31 mars 1981 à Hobbs dans le Nouveau Mexique et a grandit dans la campagne de l'Ouest du Texas. Malgré son jeune âge, il a connu une existence assez mouvementé (il a été SDF pendant une période et a longtemps traîné sur le circuit des rodéos).

Bingham fait parti de ce que l'on appelle l'Americana : une forme de Rock qui puise ses racines dans la Country et dans le Folk. Apparu à la fin des 90's en réponse à la dérive FM des années 80, le mouvement compte en son sein quelques artistes de renom tel que Ryan Adams, Steve Earle...

Avec seulement 3 albums au compteur, Mescalito (2007), Roadhouse Sun (2009), Junky Star (2010), Ryan Bingham fait déjà figure de vétéran au pays de l'Oncle Sam, où son statut de star voir de légende de la country est incontestable. Un statut qui va grandissant, notamment via le succès cinématographique que fut le film Crazy Heart (il y fait une brève apparition, donnant la réplique à l'oscarisé Jeff Bridges) pour lequel il enregistre le titre "The Weary Kind", un morceau co-écrit avec T Bone Burnett qui lui vaudra d'être récompensé d'un Golden Globe.

Ce n'est pas la première venue à Paris pour Ryan Bingham, il avait notamment joué au Connely's Bar dans le 5ème arrondissements en 2007 (et en 2004, il faisait le cow-boy pour le spectacle Wild West Show de Disneyland Paris) mais c'est la première fois qu'il se produit réellement dans une salle de concert parisienne.

Si il est vrai que sa notoriété dépasse guère le cadre américain (la plupart des fans et touristes ricains ayant fait le déplacement), il est amusant et rassurant même - de voir que des fans français du genre sont présent dans la salle.

Une salle pas tout à fait remplie au moment de la première partie assurée par Liam Gerner mais quasi comble dès l'entrée en scène de Ryan Bingham et ses Dead Horses.

Petite présentation des Dead Horses justement... le groupe se compose de Corby Schaub (guitare/mandoline), Matt Smith (batterie) et de Elijah Ford (basse).

Que dire du concert en lui même ? Si ce n'est qu'il a manifestement comblé les attentes du public. Exploitant sur scène avec hargne le répertoire de ses trois efforts studio. Alternant les passages calmes acoustique et morceaux de bravoures slide avec le groupe. Sunshine, Hallelujah, Strange Feeling in The Air, Bread & Water, Southside of Heaven et même le trip mariachi - Boracho Station, tout autant de titres qui prennent une nouvelle dimension en live, à l'opposé de l'aspect intimiste des versions studio.

Outre la qualité évidente de l'interprétation du groupe ce qui frappe c'est cette voix rocailleuse (surement à mettre au crédit d'une bonne consommation de clopes et de Jack Daniels) ajoutant à la profondeur de l'interprétation.

Le concert terminé, il est possible d'aller voir le bonhomme (chose quasi impensable aux states vu sa notoriété) et de lui faire signer des autographes (chose que je fais) et de prendre une photo avec lui.

Au final, ce concert a tenu toute ses promesses. Reste à savoir si cette unique date parisienne verra par la suite - en France et en Europe, la naissance d'un engouement beaucoup plus intense pour un artiste qui manifestement n'a pas fini de faire parler de lui.

La rentrée 2010 !!!

2010-09-27T17:14:00.003+02:00

En cette période de rentrée, je mets mes activités sur ce blog entre parenthèse. En parallèle j'ai ouvert un blog entièrement consacré à Rory Gallagher: Cradle Rock. Je vais me consacrer davantage à ce dernier, histoire de le voir s'étoffer un peu plus.

Mais je reviendrai d'ici quelques temps pour enrichir les pages de ce blog via des reviews des concerts à venir que j'irai voir.

En tout cas merci à ceux qui me lisent régulièrement et qui poste des commentaires.

Stevie Ray Vaughan

2010-08-26T19:00:00.014+02:00

A l'heure où l'on s'apprête à commémorer les 20 ans de sa disparition, voici un bref retour sur une partie de la discographie de ce grand musicien trop tôt disparu.

Sorti en 1983, ce tout premier album de Stevie Ray Vaughan amorce ce que beaucoup considère comme l'autre revival du Blues avec le British Blues Boom des 60's.
Sûrement l'album le plus Blues de sa discographie et plus proche du Blues Texan avec des boogies et shuffle très caractéristique de ce style (Pride & Joy, I'm Cryin'...). Il s'en démarque toutefois par une influence Hendrixienne, moins présente que sur les albums qui suivront (mais présente tout de même) notamment par le biais de l'instrumental Testify. Titre que jouait Jimi Hendrix lorsqu'il évoluait au sein des Isley Brothers. Et l'instrumental Lenny (dédier à sa femme Lenora) rentre dans la tradition des balades hendrixienne.
Avec Texas Flood, Stevie Ray Vaughan s'inscrit dans un héritage sans pour autant transcender le genre.

Second album sorti en 1984, "Couldn't Stand The Weather" où l'influence hendrixienne est écrasante !!!
Que ce soit les reprises "Voodoo Child (Slight Return)" ou même certaines compos personnelles "Couldn't Stand The Weather", "Scuttle Buttin'"... SRV réintroduit l'héritage hendrixien dans le Blues avec plus ou moins de succès.
On retient bien trop souvent la vélocité guitaristique de Vaughan mais il s'avait faire preuve d'une grande finesse et retenue comme l'atteste sa reprise de "Tin Pan Alley" tout en subtilité.
Avec ce deuxième opus c'est plus qu'un second effort qu'il livre. Il s'agit clairement de la restauration de l'héritage hendrixien dans le Blues.

Avec ce troisième albums sorti en 1985 Double Trouble passe du trio au quatuor avec l'arrivée de l'organiste Reese Wynans.
Musicalement on est un peu dans le prolongement de "Couldn't Stand The Weather", Hendrix reste quand même l'influence qui prédomine aussi bien dans l'instrumental "Say What ?" sorte de "Still Raining, Still Dreaming" à la sauce vaughnienne. Ou dans la reprise quasi identique du "Come On (Part I)" d'Hendrix rebaptisé ici "Come On (Part III)".
SRV n'oublie pas le Blues bien sûr... avec notamment une compo dans l'esprit d'Albert King "Ain't Gone And Give Up On Love".

Unique Live sorti du vivant de SRV paru en 1986 - Live Alive est une véritable déception. Bourrée d'overdubs il ne rend absolument pas justice au talent de SRV. Il faut dire qu'à ce stade de sa carrière son addiction drogue/alcool est telle qu'il est sur le point d'y laisser la vie.

Il faut attendre 1989 pour revoir un album de SRV. C'est débarrassé de ses addictions qu'il ressuscite sur In Step. Pour beaucoup il s'agit de l'album de la maturité. Il est vrai qu'il regorge de composition vraiment exceptionnelle "Riviera Paradise", "Tightrope" notamment révèle un véritable sursaut créatif et guitaristique. Malheureusement l'album (comme la plupart des autres productions de Stevie Ray Vaughan) a un son 80's particulièrement daté qui ne rend pas service à certaine compo.
Il s'agit de son ultime album studio en solo.

Sorti en septembre 1990, Family Style a bénéficié d'un véritable succès populaire suite au décès de Stevie Ray Vaughan le 27 août 1990.
Il réuni les deux frangins Vaughan autour de quelques compos qui témoigne sur certaines de la bonne entente des deux frères mais qui cède vite la place à un goût d'inachevé.

Sorti un an après le décès de SRV, cette compilation posthume a pour ambition de sortir du matériel inédit (comme "Life By The Drop" unique témoignage acoustique du guitariste) et de montrer ses différentes influences comme Lonnie Mack "Wham", Kenny Burrel "Chitlins Con Carne" ou encore la relecture tout à fait personnelle de "Little Wing" de Jimi Hendrix en un instrumental de 6min50.
Une véritable réussite et un bel hommage.

Stevie Ray Vaughan en vidéo:

The Blues are the root (la page Facebook)

2010-08-10T17:03:00.003+02:00

Histoire d'être à la page, j'ai crée une page facebook de mon blog. Au fur et à mesure j'y mettrai les liens vers les nouvelles chroniques.
Ceux qui le souhaitent peuvent s'y inscrire et laisser des commentaires ou lancer des fils de discussion sur les chroniques que j'écris. En restant aussi courtois que possible bien entendu.

Voici le lien en question: http://www.facebook.com/group.php?gid=135300126511523

@+ sur Facebook

Jimi Hendrix: le rêve inachevé (Régis Canselier)

2010-07-28T13:55:00.005+02:00

"La guitare enflammée de Monterey éclipse toujours le musicien qui l'a embrasée..." Si cette phrase semble sonner comme une évidence, elle ne se fait malheureusement pas l'écho de la vision qu'a laissé le génie de la six cordes au près de l'immense majorité du public qui n'a gardé que comme seule image, le showman qui casse ses guitares, joue derrière la tête ou avec les dents.

Pour la première fois un ouvrage vient tordre le coup aux idées reçu que la majorité des gens se font sur le guitariste grâce à une analyse pertinente et documentée se concentrant sur l'aspect musical avant toute chose. En décortiquant albums, prestations live et faisant la lumière sur la véritable jungle que constitue la discographie post mortem du Voodoo Chile, Régis Canselier (administrateur du Hendrix forum) peut être considéré avec Yazid Manou comme l'autre grand spécialiste de Jimi Hendrix en France.

Si de prime abord l'ouvrage ne semble pas s'adresser aux néophytes, il reste abordable aux amateurs ayant une culture hendrixienne limitée qui souhaitent en apprendre davantage sur le célèbre gaucher.
Ici il n'est pas question d'anecdotes dégradantes pour faire sensation (cf. affaire de la sextape), si anecdotes il y a, elles servent au mieux les analyses soutenues par l'auteur.

On en vient vite à ressortir les albums dont il est question dans chaque chapitre pour faire le lien entre l'analyse de l'auteur et ce que l'on écoute. Aussi plusieurs lectures semblent nécessaire quant à la compréhension globale du livre ou du moins de certains de ses passages qui peuvent paraître un peu flou de prime abord mais qui s'éclaircissent vite dès que l'on a la chance de pouvoir s'appuyer sur les extraits audio.

Plus qu'un livre, Régis Canselier nous livre un véritable "guide" pour pouvoir voyager dans les entrailles de l'œuvre du guitariste le plus fascinant du siècle dernier.

Taste (1969)

2010-07-21T10:26:00.016+02:00

Une affaire de goût.

01. Blister On The Moon
02. Leaving Blues
03. Sugar Mama
04. Hail
05. Born On The Wrong Side Of Time
06. Dual Carriageway Pain
07. Same Old Story
08. Catfish
09. I'm Moving On

Le groupe voit le jour en 1966 suite à la rencontre de Rory Gallagher, Eric Kitteringham et Norman Demery. Les trois hommes se découvrant les mêmes affinités musicales, ils leur vient tout naturellement à l'idée d'appeler leur trio Taste ("Goût" en anglais).
Ce line up sera éphémère et ne sortira aucun album, le manager du groupe Eddie Kennedy ayant proposé à Rory de s'associer selon lui à de véritables musiciens professionnels en la personne de John Wilson (batteur aux influences Jazz qui a joué notamment sur le second album du groupe Them de Van Morrison) et Richard McCracken à la basse.

Premier line up avec de gauche à droite: Eric Kitteringham, Rory Gallagher, Norman Demery.

Second line up avec de gauche à droite: Rory Gallagher, Richard McCracken, John Wilson.

Le premier album éponyme est enregistré au studio Emerald de Belfast en août 1968 et sort en avril 1969.

Toutes les compositions sont signées Rory Gallagher excepté Leavin' Blues (Leadbelly), Sugar Mama (Howlin' Wolf), I'm Moving On (Hank Snow) le Blues traditionnel Catfish.

D'emblée ce premier opus prend une couleur Blues/Rock prononcée, assez raccord avec la mouvance du Blues anglais du moment. Cependant ce qui sépare Taste des autres formations du British Blues Boom c'est l'originalité de l'interprétation et le soin apporté à certaines compositions qui sortent complétement du cadre Blues. A l'image du titre d'introduction Blister On The Moon dans une veine Rock à la limite du Hard ou encore Same Old Story qui semble encore plus correspondre à cette appellation.

La compo la plus originale et peut être la plus audacieuse de l'album reste Born On The Wrong Side Of Time avec son gimmick d'intro typiquement celte et sa partie acoustique centrale progressive assez surréaliste.
Contrairement à l'album suivant On The Boards le jazz n'est pas aussi présent... il en demeure quelques traces dans les roulements de batterie de John Wilson (des influences de Tony Williams et Elvin Jones notamment) et dans les lignes de basses de Richard McCracken comme en témoigne la version totalement personnelle du titre du bluesman Leadbelly, Leavin' Blues, avec cette ligne de basse jazzy totalement hypnotisante.

Comme le témoigneront les futures albums du Rory Gallagher Band, les titres acoustiques étaient déjà d'actualité sur ce premier opus, Hail n'a peut être pas l'étoffe et la vélocité d'un Pistol Slapper Blues mais le mariage de la voix de Rory avec la mélodie jouée à l'unisson dans un genre de phrasé-chanté est typique du jeu de l'irlandais.
En ce qui concerne son phrasé justement il est d'une rare maturité pour un jeune homme de 20 ans. Il a parfaitement assimilé les grands nom du Blues comme l'atteste la reprise de Howlin' Wolf, Sugar Mama, et en ressort quelque chose de personnel, loin des stéréotypes éculés qui pulluleront dans les décennies suivantes par le biais de guitaristes plus intéressé par l'aspect lead de la guitare Blues que par les sentiments qu'ils pourraient véhiculer.

Le génie de cette formation réside aussi dans la capacité de réinterpréter des titres selon son humeur, tel ce Catfish (ou Catfish Blues) popularisé par Muddy Waters à cent lieues des versions les plus connues. La lourdeur de la basse, de la batterie et de son riff de guitare donnent une couleur Hard Blues qui n'est pas sans rappeler les reprises Blues du premier album de Led Zeppelin (ex: You Shook Me) qui seront enregistrées seulement quelques mois après le premier album de la formation irlandaise.

Taste est donc un coup de maître. Pas l'album le plus marquant des 60's mais qui pose les bases d'une formation assez unique en son genre avec un avenir prometteur. Le futur en décidera pourtant tout autrement...

Aerosmith Paris Bercy 29 juin 2010

2010-07-05T14:48:00.014+02:00

Il y a quelques jours encore je me demandais si je devais écrire cette chronique après cette déception (il faut clairement le dire) qu'a été ce premier (et sûrement mon dernier) concert d'Aerosmith.

Les causes de cette déception sont nombreuses mais revenons d'abord au début.

Arrivé dans les parages du popb vers 14h (chose que je ne referais pas de si tôt), en plein cagnard avec un thermomètre qui devait avoisiner les 35°C. La premier signe du malaise est survenu en voyant l'âge moyen du public en fosse (15/20 ans) et en grande partie féminin.

Premier constat, on ne compte aucun vieux hardos parmi la file d'attente, juste des jeunes ados dont certains avouent à voix hautes avoir connu le groupe via l'attraction Rock n' Roller Coaster de Walt Disney Studio.

C'est avec une impression d'aller assister à un bal lycéen de fin d'année que la mort dans l'âme j'entre dans le popb. Je me place au bout de l'avancée, entre les deux immense baffle (là où le son est sensé être meilleur) et attend l'arrivée de la première partie.

Que dire de The Cribs si ce n'est qu'il s'agit probablement de la pire première partie qu'il m'ait été donné de voir. Du Rock britannique vu et revu, cumulant clichés pompeux avec toujours les mêmes grilles d'accord tournant sans cesse sans aucune originalité. Plus que l'attitude ou les morceaux joués c'est surtout le son strident tout au long de leur set qui fut insupportable. Les types essayant par moment de jouer avec le larsen sans y arriver (n'est pas Hendrix ou Jeff Beck qui veut).

Moi qui suit en général clément et poli avec les premières parties, je me joint aux légions de sifflets alentours.

Un long rideau estampillé Aerosmith est descendu avec Everybody Must Get Stoned de Bob Dylan en fond sonore, puis les premières notes de Love in an Elevator se font entendre. Le rideau laisse place au groupe et à Steven Tyler en particulier qui s'aventure le premier en direction du public. Si ses goûts vestimentaires sont criard (chapeau de paille et veste à paillette) mon attention est tout de suite attiré par cette bouillie sonore qui sort des baffles. Dès le deuxième titres impossible de reconnaitre Back in the Saddle jusqu'à ce que Tyler ne commence à chanter. Et ce sera comme ça sur tout les titres Rocks du concert.

Bon c'est vrai ils ont une pêche d'enfer, particulièrement Tyler mais je trouve que par moment il en fait trop. Des poses faces aux ventilos à n'en plus finir. Le ridicule est atteint selon moi lorsque ce dernier passe des minutes entières la tronche face aux caméras. Tout cela donnant l'impression d'avoir allumé sa télé et de mater MTV.

Impression renforcé par le choix des balades guimauves (Jaded, I don't want to miss a thing... pour citer les plus insupportables) jalonnant ce concert rehaussés par des clips MTV sur grand écran.

Si je dois garder un moment à peu près jouissif dans ce concert, je garderais la version du titre de Peter Green, Stop Messin' Around par Joe Perry. Malheureusement tout comme avec Baby Please Don't Go un peu plus tard, le public n'est pas des plus réceptif. Il faut dire que vu l'âge et vu l'intérêt que porte le public aux titres les plus mainstream estampillé MTV du répertoire des gars de Boston. Il ne faut pas s'attendre à les étendre hurler de joie lorsque Perry leur demande: "Do you want some Blues ?"

Je n'ai pas grand chose à ajouter suite à cette grosse déception, même le rappel Dream On, Walk This Way, Toys in the Attic ne m'a pas émoustillé. Le son, en particulier le mix des guitares de Perry et Whitford étant une véritable bouillie sonore.

C'est les deux pieds devant que je quitte ce popb, une salle qui m'a tant fait vibrer par le passé (AC/DC, Eric Clapton, Paul Mc Cartney...) et qui l'instant d'une soirée a perdu de sa magie... jusqu'au prochain véritable concert.

Setlist:

01. Love In An Elevator
02. Back In The Saddle
03. Falling In Love (Is Hard On The Knees)
04. Eat The Rich
05. Pink
06. Livin' On The Edge
07. What It Takes
08. Jaded
09. Mama Kin
10. Cryin'
--Drum Solo--
11. Rag Doll
12. Stop Messin' Around
13. I Don't Want To Miss A Thing
14. Sweet Emotion
15. Baby Please Don't Go
16. Draw The Line
Encore:
17. Dream On
18. Walk This Way
19. Toys In The Attic

Photos prisent sur le blog Rockerparis: http://rockerparis.blogspot.com/search?updated-max=2010-06-30T23:20:00%2B02:00

AC/DC Stade de France 18 juin 2010

2010-06-21T08:46:00.022+02:00

Après la relative déception du concert du Stade de France du 12 juin 2009 (dont je n’avais d’ailleurs fait aucune chronique), j’ai vécu ce second passage comme une revanche du concert de l’an dernier. C’est avec une facilité déconcertante que je m’étais procuré deux places en pelouse or en décembre dernier et il faut dire que je n’appréhendais plus ce concert après les avoir déjà vu à 4 reprises sur cette tournée.

Mais le naturel revenant inévitablement au galop, les premiers signes d'excitation sont apparus lorsque je suis arrivé aux abords du stade. D’emblé je tombe sur des têtes qui me sont familières, Jul’ avec qui j’avais fait connaissance dans la fosse en furie de Hampden Park de Glasgow l’année dernière. Et fais la connaissance de Ti Tan et Ballbreaker73 tous les trois étant membres du forum H2ACDC. Les salutations faites chacun repart de son côté, pour ma part je file porte S à l’Ouest du Stade. Une petite foule s’y est amassée. C’est là que je tombe par hasard sur Benjamin, un fan avec qui j’avais auparavant fait connaissance lors de la mise en vente des places pour Bercy à ma FNAC habituelle et avec qui j’avais attendu l’année dernière au concert du 12 juin porte Z. Lui aussi me fait part de sa déception du concert de l’année dernière et attend le concert de ce soir comme une revanche.

Nous attendons la majeur partie de l’après –midi ensemble jusqu’à l’ouverture des portes qui a lieu vers 17h. Nous entrons à l’intérieur du stade et allons nous placer le long de l’avancée assez en retrait pour pouvoir profiter pleinement du concert sans crainte de se faire bousculer. Peu après 18h ma sœur nous rejoint et vers 18h30 la première partie se met en place. Killing Machine groupe de Metal fait son entrée. Je n’ai pas grand-chose à dire sur leur set, n’aimant pas la Metal mais la voix du chanteur m’aura plutôt fait marrer, donnant l’impression par moment que le type s’est coincé les géniteuses.

L’entrée une demi-heure plus tard de Slash est d’un tout autre niveau. Le set qu’il présentera avec son groupe est de haute volée, malgré un petit flottement en plein milieu du set. Mais entendre des titres de Guns n’ Roses par un de ses anciens membres fait son petit effet sur le public qui reprend en cœur les refrains de « Nightrain », « Sweet Child O’mine » et « Paradise City ».

A 21h tapante l’inévitable cartoon fait son apparition sur les écrans, mais ce n’est pas en direction de l’écran que mes yeux sont rivés mais vers le bout de l’avancée. Un déluge pyrotechnique illumine l’avancée et Angus Young sort du bout de la plateforme saluant le public de la pelouse et grattant les premiers accords de Rock N’ Roll Train. Le petit bonhomme rejoint ses comparses en n’oubliant pas au passage d’effectuer quelques petits duckwalk pour se mettre en jambe. D’emblé plusieurs choses me viennent alors à l’esprit : le son me semble plus fort que d’habitude, au bout de près de deux ans de tournée ils redoublent d’énergie et enfin l’impression que ce concert va rentrer dans les annales.

Au cours des derniers mois j’ai longtemps émis des jugements durs à l’encontre du groupe pour leur immobilisme concernant la setlist inchangé d’une date à une autre. Un jugement que je trouve sain et normal après tout, mais qui une fois dans l’ambiance du concert n’a plus sa place. Je me suis repris les éternels Hell Ain’t A Bad Place To Be, Back In Black, Thunderstruck, Shot Down In Flammes… dans la tronche avec toujours le même plaisir. Et même certains titres du dernier album qui étaient poussif et ne décollaient pas m’ont semblé retrouver une seconde jeunesse.

S’ils ne font pas preuve d’originalité dans la setlist il faut néanmoins souligner certains faits inédits dans la présentation du show. Notamment ce long échange entre Brian et Angus le long de l’avancée lors de la présentation de The Jack, où ils semblent tout deux jouer comme des gamins. Un The Jack magistralement interprété où Brian tentera sans succès de faire chanter un public distrait par les vidéos de jeunes demoiselles montrant leurs soutifs.

J’attendais High Voltage avec impatience depuis son insertion dans la setlist et je n’ai pas été déçu. Cette intro où les guitares rugissent à l’unisson a dévalé sur moi comme un rouleau compresseur. La suite du concert bien que conventionnel ne fait que monter encore et toujours en intensité. Sur Whole Lotta Rosie, c’est une grosse Rosie usée par ces deux ans de tournées qui est gonflée (ce qui ne manquera pas de faire rire les gars de la sécurité), sur scène le temps n’a pas l’air d’avoir d’emprise sur nos boys.

D’ailleurs à ce propos s’il y en a un qui m’a bluffé c’est Angus, lui qui partageait plus ou moins le show avec Brian, ce soir là il a littéralement repris les rênes en main. Et sur Let There Be Rock, morceau qui lui est tout dédié il a fait preuve d’une grande habilité guitaristique pendant un quart d’heure de temps.

C’est sans surprise que Highway To Hell classique inusable est repris par des milliers de cornes clignotantes. For Those About To Rock quant à lui met un terme définitif à la soirée avec ses 21 coups de canons et par Brian Johnson lançant un « We salute you la belle France » en guise d’adieu ? au revoir ? Des petits effets pyrotechniques finissant par un son pétaradant comme une dernière salve d’honneur retentissent dans l’enceinte du Stade.

Ainsi se termine mon dernier concert d’AC/DC sur ce Black Ice Tour, place maintenant aux questions et au doute. Reviendront –ils ? Après cette débauche d’énergie on ne peut que le croire. Mais si tel n’était pas le cas, je peux d’ores et déjà témoigner de mon respect envers ces cinq mecs et les remercier pour ce qu’ils m’ont apporté et apportent comme joie à des millions de personnes toutes générations confondu de par le monde.

Merci...

Setlist:

Rock'n Roll Train
Hell Ain't a Bad Place to Be
Back in Black
Big Jack
Dirty Deeds Done Dirt Cheap
Shot Down in Flames
Thunderstruck
Black Ice
The Jack
Hells Bells
Shoot to Thrill
War Machine
High Voltage
You Shook Me All Night Long
T.N.T.
Whole Lotta Rosie
Let There Be Rock

Highway to Hell
For Those About to Rock (We Salute You)

Merci à jcdc1967 du forum H2ACDC et à Benjamin pour les photos.
http://www.cig.canon-europe.com/p?p=E7F7RDGnrNP

Rory Gallagher (1971)

2010-06-14T09:25:00.018+02:00

Un nouveau départ.

1. Laundromat (4:48)
2. Just The Smile (3:41)
3. I Fall Apart (5:12)
4. Wave Myself Goodbye (3:30)
5. Hands Up (5:25)
6. Sinner Boy (5:04)
7. For The Last Time (6:35)
8. It's You (2:38)
9. I'm Not Surprised (3:37)
10 Can't Believe It's True (7:06)

Bonus Track:

11. Gypsy Woman (4:02)
12. It Takes Time (3:34)

C'est dans la douleur et l'amertume que Rory Gallagher auto produit et enregistre son tout premier album studio. Seulement quelques mois après la séparation avec ses compères du power trio Taste, principalement pour divergence musicale, Richard McCraken (basse) et John Wilson (Batterie) souhaitant voir la formation lorgner un peu plus vers le Free Jazz, à l’inverse de Rory souhaitant revenir aux racines Blues et s’affirmer encore plus en tant que songwriter. Le clash est alors inévitable, McCraken et Wilson laisse Rory sur le carreau à la recherche d’un guitariste plus sensible à leur orientation musicale. La presse et les fans tiennent, à tort, Rory pour responsable de ce split, un fardeau et une blessure qui ne cicatrisera jamais.

Rory entreprend donc de bâtir son propre groupe avec Gerry McAvoy à la basse et Wilgar Campbell à la Batterie. Il opte pour le format trio comme pour Taste mais à la seule différence où il ne tient pas compte des velléités des deux autres musiciens. Rory tient sa barque d’une main de maître et personne ne lui dictera l’orientation qu’elle doit prendre.

Dès le premier titre Laundromat le ton est donné, le Rory Gallagher Band sera Rock. Exit les envolé Free de Taste, ici, la section rythmique est au service de la guitare. Evidemment ce nouveau standard connaîtra un franc succès en live notamment sur le Live In Europe (1972) un an plus tard.
Just The Smile est l’exemple parfait de l’éclectisme musical de l’irlandais. Ce registre Folk aux relents Celtes fait parti des pépites qui jalonneront le reste de sa discographie.
Sur I Fall Apart on retrouve un Rory à fleur de peau, d’une grande sensibilité dans le chant plombant un solo magistral dégoulinant de feeling. Les paroles ne sont pas en reste, c’est tout simplement les prémices d’un grand songwriter.
Wave Myself Goodbye est d’une autre trempe, avec le pianiste Vincent Crane (Atomic Rooster) comme invité qui ajoute une petite touche Country Honky Tonk.

Hands Up et Sinner Boy semblent être les deux seuls rescapés de la dissolution de Taste. Abondamment interprétés en concert par le trio, avec la nouvelle section rythmique du Rory Gallagher Band ces deux titres connaissent une seconde jeunesse. Sur les breaks de batterie du premier titre, Wilgar Campbell nous fait aisément oublier John Wilson. Quant au jeu au bottleneck de Rory sur le second titre il côtoie celui des plus grands spécialistes du genre.

Puis avec For The Last Time, Rory règle ses comptes en musique avec ses anciens comparses de Taste. Ils se font clairement démolir dans le texte par un Gallagher plein d’amertume (You put me down, For The Very Last Time/ Tu m’as rabaissé pour la toute dernière fois) et revanchard (I Hit The Floor, But I Got Up On The Count Of Nine/ Je touche le sol, mais je me relève au compte de neuf). Vocalement Rory fait preuve d’une grande assurance et guitaristiquement il prouve qu’il est une des plus grandes fines lames de la 6 cordes de son époque. Ses deux solos dont l’intro du deuxième en pinch harmonic sont énormes.

It’s You est une compo country à l’opposé de Wave Myself Goodbye où Rory excelle de nouveau au bottleneck dans un registre toutefois plus calme.
I’m not surprised revient quant à lui à un registre Folk acoustique souligné par les parties de piano de Vincent Crane.

L’ambiance Jazzy de I Can’t Believe It’s True rappelle inévitablement celle de Taste et de l’album On The Board sortit un an plus tôt. Rory grave ici un de ses derniers solos de saxophone, instrument qu’il remisera au profit de la guitare ou d’autres instruments sur les albums suivant.
La réédition de l’album compte deux reprises Gypsy Woman de Muddy Waters et It Takes Time de Otis Rush. Deux grandes versions qui montrent clairement que Rory est un des tous meilleurs guitariste de Blues de sa génération. C’est sûrement pour renforcer l’aspect auteur/compositeur qu’elles furent écartées de l’album.

Au final ce premier album éponyme est un essai réussi et un pied de nez magistral envers les anciens acolytes de Taste. Rory Gallagher fait preuve à seulement 23 ans d’une maturité énorme et d’une maitrise de divers genres musicaux et techniques guitaristiques incroyable pour quelqu’un de son âge.
Très grand album.

Jimmie Vaughan & The Tilt-A-Whirl Band feat. Lou Ann Barton, New Morning, 2 juin 2010

2010-06-03T08:48:00.018+02:00

Difficile de redescendre sur terre après la claque du concert de Clapton/Winwood à Bercy, mais c’est avec la curiosité de celui qui va découvrir un artiste sur scène pour la première fois que je me suis rendu au concert de Jimmie Vaughan et de son Tilt-A-Whirl Band et de la chanteuse Lou Ann Barton (ex- Triple Threat Revue & Roomful of Blues) au New Morning.

Ce doit être mon 4ème ou 5ème concert dans cette salle après avoir vu entre autre Lucky Peterson, Bernard Allison ou encore Joe Louis Walker. J’ai rarement été déçu des concerts Blues que j’ai vu au New Morning, l’ambiance intimiste y régnant convenant parfaitement à cette musique. Seul bémol rencontré à chaque fois, des premières parties trop longues et des concerts se terminant trop tard. Ce concert dérogera à la règle puisque aucune première partie n’est prévue.

La salle n’est pas pleine comparé à ce qu’il m’a été donné de voir par le passé, ce qui explique à mon avis en partie pourquoi l’artiste se fait si rare dans la capitale depuis plusieurs années. Mais peu importe et tant mieux même cela renforce l’aspect intimiste et cela n’empêche en rien le public de communier avec les musiciens… au contraire.

Jimmie Vaughan et son band rentre en scène après avoir été annoncé par un roadie, toujours même dégaine de vieux bluesrockeurs texans, même banane et toujours cette même strat beige. Un peu longue au démarrage la première partie du concert est en partie composé de reprises de grands standard Blues. Mais c’est vraiment dès l’entrée en scène de Lou Ann Barton que la cohésion au sein du groupe et que la connexion avec le public s’est faite.

Je ne peux pas dire que je suis fan de Lou Ann Barton, j'ai tendance à trouver que les voix blanches du Blues sont un peu trop uniformisées et qu'aucune chanteuses ne sort vraiment du lot. Lou Ann Barton a un brin de voix assez agréable mais c'est surtout le duo qu'elle forme avec Jimmie Vaughan qui vaut le détour.

Cette seconde moitié du concert mets en avant les compos du dernier album en date de Vaughan (le premier depuis 2001) Play Blues, Ballads & Favorites, je retiendrais d'ailleurs deux compos vraiment jouissives "I Miss You So" et "Roll, Roll, Roll".

Le groupe nous offrira trois rappels (lors de l'un d'eux la fille de Jimmie montera sur scène pour nous dire à quel point son père est génial) avec à chaque fois un classique du répertoire de Jimmie en cadeau, Texas Flood, Six Strings Down titre hommage à Stevie Ray Vaughan que Jimmie interprète seul à la guitare et l'instrumental DF/W issu de l'album Family Style en guise de conclusion.

Petite séance de dédicace en fin de concert, Jimmie humblement et aimablement signe ma place et prend une photo avec moi comme il le fait avec bon nombre de personnes présentent.
Le comble du bonheur après nous avoir émerveillé avec sa musique toute la soirée.

Eric Clapton & Steve Winwood Paris Bercy 25 mai 2010

2010-05-26T23:39:00.026+02:00

Il aura quand même fallu 4 ans pour revoir Clapton dans notre bonne vieille capitale. De ce concert de 2006 je gardais un souvenir mitigé avec d'une part la satisfaction d'avoir enfin vu Eric "God" Clapton et d'entendre la plupart des pépites composant son répertoire mais avec le sentiment qu'il n'avait pas donné le meilleur de ses capacités. Se reposant bien trop souvent à mon goût sur la paire de guitaristes "Doyle Bramhall II" & "Derek Trucks".

C'est conjointement avec Steve Winwood (Spencer Davis Group, Traffic et bien sûr Blind Faith) que Clapton a décidé de se lancer dans une tournée européenne avec pour unique passage en France ce concert au Palais Omnisport de Paris Bercy.

Arrivé dans les parages du popb avec ma soeur vers 14h, nous ne tardons pas à faire la connaissance d'Olivier (kjp pour les intimes) et d'une partie du staff de Claptonweb.com.
18H30 passée, ouverture des portes, petit sprint dans la fosse pour finalement se retrouver front row au milieu légèrement excentré vers la gauche.

20h et des poussières, les deux compères ont du retard mais finissent par faire leur entrée. Et c'est sur Had to Cry Today que tout commence. Morceau phare de l'album éponyme Blind Faith les deux hommes s'escriment tout deux sur leurs guitares. Si ce que fait Winwood en tant que guitariste est intéressant ce n'est rien en comparaison du solo quasi orgasmique que nous envoie Slowhand... frissons garantis.

Low Down et After Midnight sont du même acabit, ce dernier grand classique interprété à une vitesse phénoménale voit s'entremêler les chorus d'un Clapton très inspiré. Sur Presence of the Lord les deux hommes tutoient le sublime.

Une chose qui est appréciable outre la qualité de la performance des deux hommes, c'est la setlist. Elle brasse suffisamment large pour contenter tout le monde, mêlant titres communs des deux hommes, classiques solos ou petit plaisir personnel comme ce Shape I'm In titre de The Band. Autre chose qui fait plaisir à voir et à entendre, ce sont les titres de Blind Faith, un album qui avait tant été décrié au moment de sa sortie. Ce n'est que justice de voir certains titres dépoussiérés et prendre pleinement dimension en live, à l'instar de l'excellent Well Alright.

Quelques mots sur le groupe tout de même !!!
On retrouve Willie Weeks à la basse, Steve Gadd à la batterie, Chris Stainton au clavier (les interventions de ce dernier ne m'ont pas toujours convaincu et le son de clavier parfois trop synthétique à mon goût était à la limite de ce que je pouvais tolérer), l'ajout des choristes Michelle John et Sharon White n'était pas indispensable (surtout avec un vocaliste tel que Steve Winwood) mais cela ne dénaturait en rien les titres. Leurs interventions étant assez discrète la plupart du temps.

Le concert est entrée dans une toute autre dimension selon moi à partir de Georgia On My Mind. Une version différente de celle du live au Madison Square Garden de New York, puisque Winwood à l'orgue est accompagné cette fois par Clapton qui joue assis. Très concentré sur son jeu il ne se lève qu'au moment de son chorus, pas le meilleur de la soirée mais qui passe tout de même bien.
L'épreuve du set acoustique est devenu un passage obligé de tout concert de Slowhand depuis une bonne quinzaine d'année. Pour ma part ce n'est pas ce qui m'a le plus emballé, Clapton évoluant plutôt en pilote automatique lorsqu'il s'agit de titres Blues comme Drifting, How Long et encore bien plus lorsqu'il s'agit d'un classique comme Layla mais je suis toujours autant impressionné de voir le suffrage qu'emporte ce titre au près du public. Bercy est définitivement sous l'emprise des deux hommes à partir de ce moment, et ce jusqu'à la fin de la soirée.
Par contre le clou de ce set acoustique reste Can't Find My Way Home où comme pour Presence of the Lord, les deux hommes tutoient de nouveau le sublime.

Retour à l'électrique avec un grand classique Gimme Some Lovin' du Spencer Davis Group qui maintien l'attention et la pression dans le public et démontre encore une fois tous les talents de vocaliste de Steve Winwood.
Mais si il fallait que je garde un moment fort de ce concert c'est sans conteste cette version belle à pleurer de Voodoo Chile où Clapton et Winwood redonne vie pour 13 minutes au titre de Jimi Hendrix. Le fait que les deux hommes aient été des intimes du légendaire guitariste et que l'un d'eux ait participé à l'enregistrement de ce même titre plus de quarante ans plus tôt sur l'album Electric Ladyland renforce cet hommage et justifie à lui seul son interprétation lors de ce concert.
L'enchaînement avec Cocaine parait assez anecdotique à côté, pourtant la joie de jouer sur scène se transmet au public qui reprend le refrain comme un seul homme. Seul petit point noir, le solo de clavier de Chris Stainton que j'ai trouvé assez long et ennuyeux.

Dear Mr Fantasy titre de Traffic en guise de rappel et de fin, sympathique notamment le petit côté boléro que prend le morceau sur la fin, mais j'aurais vu un titre plus galvanisant pour terminer cette soirée. Un dernier salut au public, les lumières peinent à se rallumer, beaucoup croient à un nouveau rappel mais finalement les lumières se rallument.

Ce que je retiendrais de cette soirée c'est avant tout la complicité entre Clapton & Winwood qui pousse le premier à donné le meilleur de lui même. La jovialité de Slowhand avec le public français et bien sûr l'interprétation de chaque titres même si l'on peut débattre de certains choix.
Si cette tournée est une des meilleures depuis longtemps en tout cas c'est le meilleur concert d'Eric Clapton qu'il m'ait été donné de voir.

Setlist:

1. Had to Cry Today
2. Low Down
3. After Midnight
4. Presence Of The Lord
5. The Shape I'm In
6. Glad
7. Well Alright
8. It's Too Bad
9. While You See A Chance
10. Key To The Highway
11. Midland Maniac
12. Slide Song
13. Georgia On My Mind
14. Driftin'
15. How Long
16. Layla
17. Can't Find My Way Home
18. Gimme Some Lovin'
19. Voodoo Chile
20. Cocaine

Rappel:

21. Dear Mr. Fantasy

Mike Oldfield - Tubular Bells (1973)

2010-05-17T19:52:00.021+02:00

J'ai décidé d'ouvrir une petite parenthèse en m'éloignant quelque peu des racines Blues ( pour mieux y revenir plus tard !!!) en m'attelant à l'écriture de chroniques sur un artiste tout à fait à part. A savoir Mike Oldfield, un artiste dont il est difficile d'y apposer une étiquette. Tantôt rock progressif, New Age... imprégnant sa musique d'un héritage celtique, tantôt Pop/Rock et Electro. J'ouvre donc une petite parenthèse sur ce multi instrumentiste de génie, qui a donné au Rock quelques uns de ses plus beaux albums instrumentaux.

1. Part 1 - 25:36
2. Part 2 - 23:20

Il n'a que 17 ans lorsque germe en lui les prémices de ce que sera Tubular Bells. C'est la maquette de son futur projet sous le bras qu'il ira démarcher les maisons de disques en vain.
Le salut viendra de Richard Branson qui verra dans l'oeuvre de Mike Oldfield un bon moyen pour lancer son propre label Virgin (aujourd'hui véritable empire financier).

L'enregistrement de l'album s'étalera de l'automne 1972 au printemps 1973.
Il est difficile de résumer ou de décrire l'ambiance dégagé par cet album principalement à cause de la durée de ses deux parties, excédents toutes les deux les 20 min et des nombreux thèmes et instruments utilisés au sein de ces dernières (piano, orgues, cloches tubulaires, guitares, basses, mandolines, Glockenspiel...)

La première partie débute sur un thème au piano popularisé en grande partie par le film "L'Exorciste" de William Friedkin.

Pour la petite anecdote Christian Vander batteur du groupe Magma réclamera la paternité de ce thème prétextant un plagiat de la part de Mike Oldfield. Magma était dans le même studio que Oldfield au moment où ce dernier enregistrait son album.
Cependant la parution d'une démo datant de 1971 tendra à prouver que les accusations de Vander sont erronés.

Malgré cela on aurait tort de résumer Tubular Bells et la part 1 à cet unique thème. Car si l'atmosphère dégagé dans les 4 premières minutes est propice à un film d'épouvante, le reste de la première partie l'est bien moins.
La suite alterne envolée lyrique sous forme d'orgues, cloches de toutes sortes, mandolines etc... et passage plus grave avec guitares harmonisées répétant le même motif sans cesse jusqu'au prochain thème. Le thème d'introduction refait une incursion furtive pour à nouveau laisser place aux guitares et aux sons de l'orgue.
Un long thème acoustique agrémenté de cloches puis quelques notes de basses vrombissante précèdent le dernier thème de la première partie. Un thème qui débute par un motif de basse où vient se superposer divers instruments qui font leurs entrée après qu'ils aient été annoncé: "Grand piano ; reed and pipe organ ; glockenspiel ; bass guitar ; double speed guitar ; two slightly distorted guitars ; mandolin ! spanish guitar, and introducing acoustic guitar ; plus... tubular... bells ! "
La première partie s'en va mourir dans un ultime passage acoustique

La deuxième partie est à mon humble avis injustement méconnu, elle souffre en partie de la popularité du thème d'introduction de la part 1. C'est une toute autre ambiance que nous offre cette dernière partie, loin du climat de malaise et d'oppression de la première. On notera l'absence des cloches tubulaires.
Elle débute sur un thème à consonance celtes qui est joué à la mandoline, à la guitare acoustique et au clavier ce qui installe un climat où règne une certaine sérénité.
Une sérénité qui au fur et à mesure du titre, laisse place à un thème où les guitares harmonisées imitent ici, le son d'une cornemuse.
Puis en plein milieu de la partie c'est un motif que l'on peut clairement qualifier de Rock qui entre en scène. Guitares et batterie répondant avec autant de violence que la voix guttural qui s'égosille tout au long de ce même thème.
Après ce passage explosif c'est un motif plus calme et apaisant qui fait son apparition où le phrasé de la guitare de Mike Oldfield se marie à merveille avec l'ambiance de fond tapi par l'orgue.
Et c'est comme sorti de nulle part que le célèbre air traditionnel The Sailor's Hornpipe fait son apparition. Il est joué à la mandoline et sa cadence augmente à une vitesse vertigineuse pour se finir brusquement et mettre ainsi un terme à cette deuxième partie et clore l'album.

Tubular Bells sort le 25 mai 1973, outre l'impact qu'il aura au près du public grâce à la B.O de "L'Exorciste", l'album devient une référence et une pierre angulaire du Rock instrumental et progressif.
Quant à Mike Oldfield réservé et intimidé par ce succès, il s'en ira se ressourcer au pays de Galles dans le comté d'Herefordshire près d'une colline du nom de Hergest Ridge. Mais ceci est une autre histoire...

John Mayall & The Bluesbreakers with Eric Clapton (1966)

2010-04-12T18:38:00.009+02:00

All Your Love (Willie Dixon/Otis Rush) – 3:36

Hideaway (Freddie King/Sonny Thompson) – 3:17

Little Girl – (Mayall)2:37

Another Man – (Mayall)1:45

Double Crossing Time (Clapton/Mayall) – 3:04

What'd I Say – (Ray Charles) – 4:29

Key To Love – (Mayall) 2:09

Parchman Farm (Mose Allison) – 2:24

Have You Heard – (Mayall) 5:56

Ramblin' On My Mind (Robert Johnson/Traditionnel) – 3:10

Steppin' Out (James Bracken) – 2:30

It Ain't Right (Little Walter) – 2:42

Qu'est-ce qui fait de cet album un incontournable du Blues ?

C'est simplement le fait d'être l'instigateur de ce que l'on appellera le British Blues Boom (B.B.B) en cette année 1966. Certes le Blues anglais pointait déjà son nez, avec les débuts très roots des Stones, des Yardbirds et de Alexis Korner. Mais c'est clairement avec "Beano"(l'album sera couramment appelé ainsi en raison de la BD que lit Clapton sur la pochette) et sous l'égide de Mayall et Clapton que le Blues anglais explose à la face du monde.

Permettant au passage aux bluesmen noirs américain d'être enfin reconnu à leur juste valeur, pas seulement outre manche mais également au pays de l'oncle Sam. Bien sûr certains blanc outre atlantique n'ont pas attendu le revival blues british pour s'intéresser au Blues.

Un guitariste comme Michael Bloomfield & le Paul Butterfield Blues Band s'étaient déjà appropriés cette musique, mais le nombre d'auditeur ne dépassait le strict cadre des amateurs de musique noire et ne s'étendait guère au delà de Chicago.

Mayall & ses Bluesbreakers (la fabrique de Guitar Hero comme on l'appelait) verra se succéder en son sein la crème des guitaristes anglais. Clapton bien sûr mais aussi Peter Green qui partira rejoindre Fleetwood Mac (avant de sombrer dans la dépression) puis Mick Taylor qui amènera cette patte bluesy aux meilleurs albums des Rolling Stones.

(Ci-dessus de gauche à droite: John Mayall, Hugghie Flint, Eric Clapton, John Mc Vie)

L'arrivée d'Eric Clapton aux côtés de Mayall et de son band est providentielle... fraîchement débarqué des Yardbirds qu'il quitte car insatisfait de l'orientation commerciale que prend le groupe. Le jeune Eric (20 ans à l'époque) voit en John Mayall un mentor. Et si ses connaissances Blues étaient déjà bien développée à l'époque où il officiait au sein des Yardbirds, c'est avec le groupe de Mayall qu'il trouve enfin une véritable base Blues pour laisser libre court à sa virtuosité.

Ceux qui n'aime pas les solos stratosphérique du Clapton en solo seront surpris. Ici c'est toute Les Paul dehors que Clapton nous gratifie de riffs et solos qui aujourd'hui peuvent paraitre stéréotypé mais qui ont à l'époque posé les bases de la guitare Blues.

Bien sûr, il ne faut pas nier l'apport de Mayall à cet album, lui qui chante lead sur pratiquement tous les titres sans compter les instrumentaux et excepté "Rambling on my Mind" titre de Robert Johnson où il pousse un Clapton ( pour info, c'est le premier titre où l'on entend Clapton chanter) timide à prendre confiance en son chant.

John Mayall en plus d'être un vocaliste plus que correct prouve qu'il a parfaitement assimilé le jeu des grands harmonicistes Blues. Notamment Sonny Boy Williamson II, auquel on ne peut que penser à l'écoute de "Parchman Farm" et "Another Man".

L'un des atouts de Beano, c'est de nous proposer à la fois des standards Blues (All your love, Hideway, Another Man...) et des compos qui ne sonnent pas comme de vulgaires copies (Key to Love, Have you heard...).

C'est sûrement cette alchimie parfaite qui fait le succès de l'album à sa sortie. Un succès qui sera plus profitable à Clapton qui verra sa réputation grandir au point de voir écrit sur les murs le célèbre "Clapton is God". Slogan gênant qu'il trimballera le reste de sa carrière. Usurpé pour certains, justifier pour d'autres, reste que la suite de sa carrière donnera un peu raison à ce slogan.

Après avoir planté Mayall en pleine tournée (la rumeur court qu'il trouvait son nom trop en retrait par rapport à celui de Mayall), Clapton part rejoindre une obscure formation du nom de "The Glands" pour finalement s'acoquiner avec le bassiste Jack Bruce et le batteur Ginger Baker et ainsi former Cream, le premier supergroupe de l'Histoire.

Jack White: l'électron libre du Rock !!!

2010-02-18T14:33:00.029+01:00

Les années 2000 auront donné le pire comme le meilleur... malheureusement la musique n'échappe pas à l'emprise des grandes majors qui ont le flair pour exploiter un filon jusqu'à l'écoeurement. Le Rock lui aussi n'est pas épargné et souffre de ce phénomène et de cette uniformisation... l'exemple le plus pertinent étant cette vague de Rock anglais, initié par des groupes comme The Libertines ou The Arctic Monkeys recyclant encore et toujours les même riffs réchauffés et fausses poses provocatrices.

L'Angleterre qui fut jadis la vivier du Rock semble, aujourd'hui, en perte de vitesse. Si le puits s'est taris il reste cependant une lueur d'espoir outre atlantique en la personne d'un homme originaire de Detroit.

Jack White (John Anthony Gillis de son vrai nom) forme The White Stripes en 1997 avec Meg White (qu'il présentera parfois comme sa soeur ou comme son ex femme).

Dès leur premier album éponyme sortis en 1999, la formation s'inscrit dans la mouvance Rock de son époque, notamment en intégrant comme tout bon groupe de Detroit l'influence de groupe comme The Stooges ou MC5.
Mais c'est sans compter sur le talent, l'intelligence et l'immense culture musicale d'un Jack White qui voue un culte aux racines de la musique américaine. Que ce soit le Delta Blues (ou Country Blues) avec Robert Johnson, Son House, Blind Willie Mc Tell... le Folk d'un Bob Dylan ou la Country de Dolly Parton... ce sont tout autant d'éléments qui viennent enrichir la musique voulu par White. L'aspect rudimentaire et imparfait de la musique est aussi un composant essentiel de son oeuvre. Jouer sur une guitare désaccordée ne semble pas poser de problème pour White qui préfère de loin entendre des fausses notes avec une guitare à deux balles sur un vieux disque de Blues qu'une armada de stratocaster sur un album à la prod' aseptisée.

Visuellement le groupe tranche aussi énormément avec la concurrence, là où tout n'est que perfecto, jeans troués et cheveux gras... les Stripes eux ont su créer leur propre univers. Un univers ou les couleurs dominantes sont le rouge, le blanc et le noir donnant à tout cela une saveur gothico - enfantine pouvant laisser croire que le duo sort tout droit d'un film de Tim Burton.

Tout ces éléments combinés à une forte envie d'en découdre avec la scène fait la réputation du groupe qui crée d'abord la sensation dans son propre pays avant d'exploser mondialement avec l'album Elephant (2003) et son riff entêtant Seven Nation Army qui avant de devenir l'hymne des stades fut brandit comme étendard... le Rock est de retour.
Le phénomène The White Stripes prenant énormément d'ampleur, Jack White a l'intelligence de prendre cette nouvelle notoriété avec calme, recul et humilité.
Ce qui il faut l'admettre déconcerte la presse Rock qui voit en lui le nouveau Kurt Cobain.

L'orientation musicale qu'il fait prendre au groupe par le biais du successeur de Elephant: Get Behind Me Satan... la guitare en retrait au profit des claviers et percussions déroute la critique comme les fans mais instaure la réputation de Jack comme un artiste à la liberté musicale totale. Une réputation qui permet à notre homme d'être adoubé et de croiser le fer avec des artistes de renom tel que Jimmy Page, Bob Dylan, The Rolling Stones...
Malheureusement l'épanouissement artistique de White ne va pas forcément de pair avec celui de sa comparse qui multiplie les dépressions et crises d'angoisses, privant au passage au 6ème album du groupe Icky Thump d'être interprété à grande échelle sur une grande tournée.

C'est l'occasion que saisit Jack White pour laisser The White Stripes de côté et fonder avec le guitariste Brendan Benson, le bassiste Jack Lawrence et le batteur Patrick Keeler le side project The Raconteurs. La musique interprété par le groupe est assez similaire en terme d'influence avec ce que faisait White avec son précédent groupe, à ceci près qu'il bénéficie (enfin !!! diront les détracteurs de Meg White) d'une section rythmique bien plus élaborée. De cette collaboration naît deux albums: Broken Boy Soldier (2006) et Consolers of the Lonely (2008).

En 2009, Jack White s'attelle à un nouveau projet avec Alison Mosshart (Chanteuse de The Kills), Dean Fertita (Queen of the Stone Age), Jack Lawrence (bassiste de The Raconteurs). Ensemble ils forment The Dead Weather un groupe plus ancré garage rock et où l'apport aux compositions de la part de Jack White est plus limité n' officiant dans le groupe qu'en tant que batteur. Le groupe sort l'album Horehound et prévoit d'ores est déjà de donner suite à leur collaboration avec la sortie en 2010 d'un second opus.

Très productif et véritable mutli instrumentiste Jack White a largement sa place dans le panthéon des icônes du Rock, bien que l'âge d'or de ce dernier soit derrière nous. La décennie qui commence ouvre un nouveau chapitre de son histoire et ce sont des gens comme White qui l'écriront.

Discographie de Jack White

avec The White Stripes :

The White Stripes
De Stijl
White Blood Cells
Elephant
Get Behind Me Satan
Icky Thump

avec The Raconteurs :

Broken boy soldiers
Consolers Of The Lonely

avec The Dead Weather :

Horehound

Paul McCartney Paris Bercy 10/12/2009

2009-12-12T02:26:00.032+01:00

Dernier Bercy de sa carrière selon les dires de certains, cette unique date française de la tournée "Good Evening Europe" flirtait avec un doux parfum de nostalgie. Revisitant le répertoire des Beatles, Wings et sa carrière solo dans un concert de près de 3h00.

C'est avec une heure de retard et devant un public impatient que Paul McCartney rentre en scène. "Magical Mystery Tour" et "Drive My Car" ouvrent alors les festivités devant un public de Bercy scandant les "Roll Up" et " Beep Beep'm Beep Beep Yeah" comme un seul homme. S'en suit un salut de Macca au public en français "Bonsoir Paris... bonsoir mon petit chou !!!" dans un français presque parfait. Un effort assez rare pour être souligné de la part d'un artiste non francophone. Apparemment la barrière de la langue ne semble pas être un obstacle pour Sir Paul.

Un Paul McCartney toujours accompagné des éternels Paul "Wicks" Wickens (Clavier), Brian Ray et Rusty Anderson (Guitares) et du titanesque Abe Laboriel Jr. (Batterie).

Un excellent groupe qui lui permet de faire revivre les classiques des Beatles, Wings et de sa carrière solo. Mais aussi un groupe avec lequel il rend de vibrants hommages aux gens et artistes qu'il a côtoyer durant sa longue carrière. En commençant par Jimi Hendrix auquel Macca rends hommage par le biais d'une petite reprise instrumentale du célèbre Foxy Lady.Il multipliera les hommages tout au long du concert notamment envers les deux Beatles qui ne sont plus de ce monde à savoir John Lennon (Here Today) et Georges Harrison (Something).

Le concert se poursuit... Macca alternant chansons au piano "The Long and Winding Road", "My Love" ou à l'acoustique qui donne lieu à l'interprétation de superbes ballades comme "Michelle" (jouée exclusivement pour le public parisien) et de titres plus entraînants "Mrs Vandebilt", "Dance Tonight".

Parmi cette avalanche de titres il est difficile de dire quel moment fût le clou du spectacle tant chaque chansons livrent son lot d'émotions. Pour ma part j'ai une affection particulière pour "Band on the Run" et ses nombreux changement d'ambiance. Et pour le spectacle pyrotechnique assourdissant qu'offre "Live And Let Die".

Mais là où le concert prend vraiment sa dimension universelle c'est avec le répertoire des Beatles. La cohésion entre l'artiste et le public est totale et des titres comme "A Day In The Life" et "Hey Jude" confirme cette impression. La surprise de cette tournée européenne est la petite révolution dans la setlist avec l'insertion de " Ob-La-Di Ob-La-Da", titre jamais joué durant toute la carrière de Sir Paul et dont l'aspect comptine de la version original s'estompe ici pour prendre une dimension festive.

C'est d'ailleurs avec un répertoire 100% Fab Four que Macca va terminer ce concert au cours de deux intenses rappels. L'occasion pour Paul de ressortir l'acoustique pour communier une dernière fois seul avec le public sur "Yesterday" avant d'enchaîner avec la furie de "Helter Skelter".
Mais c'est avec le medley "Sergent pepper's (reprise)/The End" que l'histoire se termine suivit d'un déluge de confettis.

Dernier salut au public, Macca manque de peu de se faire éborgner par un type qui balance son vinyle sur scène dans l'espoir de se le faire signer.
Quelques instants plus tard, Paul et son groupe ont définitivement quitté la scène, les lumières de Bercy se rallument... il est temps de revenir à la réalité.

Setlist:

01.Magical Mystery Tour
02.Drive My Car
03.Jet
04.Only Mama Knows
05.Flaming Pie
06.Got To Get You Into My Life
07.Let Me roll It/ Foxy Lady
08.Highway
09.The Long And Winding Road
10.I Want To Come Home
11.My Love
12.Blackbird
13.Here Today
14.Dance Tonight
15.And I Love Her
16.Mrs. Vanderbilt
17.Michelle
17.Eleanor Rigby
18.Band On The Run
19.Ob-La-Di, Ob-La-Da
20.Sing The Changes
21.Back In The USSR
22.Something
23.I've got A feeling/Jam
24.Paperback Writer
25.A Day In the Life/Give Peace A Chance
26.Let It Be
27.Live And Let Die
28.Hey Jude

Encore 1
29.Day Tripper
30.Lady Madonna
31.Get back

Encore 2
32.Yesterday
33.Helter Skelter
34.Sgt Pepper's/The End

Albert King - Born Under A Bad Sign (1967)

2009-11-17T10:26:00.034+01:00

Le bulldozer de velours né sous un mauvais signe...

1. Born Under A Bad Sign 2:47
2. Crosscut Saw 2:35
3. Kansas City 2:33
4. Oh, Pretty Woman 2:48
5. Down Don't Bother Me 2:10
6. The Hunter 2:45
7. I Almost Lost My Mind 3:30
8. Personal Manager 4:31
9. Laundromat Blues 3:21
10. As The Years Go Passing By 3:48
11. The Very Thought Of You 3:46

Après son premier album "The Big Blues" parut en 1961, il faudra attendre 5 ans pour que Albert King soit à nouveau signé dans une maison de disque. Cette petite traversée du désert passée, c'est finalement chez Stax Records, célèbre label Soul de Memphis que le bulldozer de velours loue ses faveurs.

Le choix de Stax Records fut judicieux à plus d'un titre car à cette époque Albert King était encore un illustre inconnu au près du public blanc. Et si par le passé il avait eu du succès au près du public noir, ce dernier avait tournée massivement le dos au Blues au profit d'une musique Soul plus apte à aider une génération à affirmer ses droits dans une Amérique en plein bouleversement social et culturel.

Avec "Born Under A Bad Sign" Albert King teinte son Blues d'une touche Soul et ce, grâce et avec l'aide de l'élite des musiciens de Stax Records: Steve Cropper (Guitare), Booker T. Jones (Piano), Isaac Hayes (Piano), Donald "Duck" Dunn (Basse), Al Jackson Jr. (Batterie) et la section de cuivres de The Memphis Horn. L'album est enregistré lors des sessions s'étalant de mars 1966 à juin 1967.

Dès l'intro de la chanson titre "Born Under A Bad Sign" la puissance de ce groupe se fait ressentir. Une section de cuivre puissante amorçant un riff Blues devenu désormais légendaire soutenu par une section rythmique impeccable. Le vieux King n'a plus qu'à apposé sa patte personnel à travers son jeu de guitare si caractéristique constitué de phrasés courts et de bends déchirants.

On notera toutefois que l'album laisse la part belle à des compositions signées presque exclusivement par les musiciens de Stax Records preuve encore une fois de la volonté d'Albert King d'innover et de faire accepter son Blues par la nouvelle génération. L'album est aussi l'occasion pour King d'assumer pleinement ses qualités de vocaliste car si elle n'a pas le coffre et la puissance d'un BB King sa voix est émouvante comme le suggère ses hommages aux grands crooners que sont "I Almost Lost My Mind", "As The Years Go Passing By" et "The Very Thought Of You".

A la grande surprise d'Albert King ce sont les blancs et plus particulièrement les anglais qui feront la renommé de cet album à travers des reprises plus ou moins réussie. La liste est longue mais on peut citer le groupe anglais Cream qui reprendra "Born Under A Bad Sign" sur son album "Wheels of Fire" et qui se servira du solo de King sur "Crosscut Saw" comme élément central pour leur composition "Stange Brew" de l'album "Disraeli Gears". De son côté Free reprendra "The Hunter" ainsi que le groupe Led Zeppelin qui reprendra quelques mesures de ce titre sur le titre "How Many More Times" de leur premier album studio.

Et d'un autre côté sa tentative de séduire le public Soul a réussi comme en témoigne la liste impressionnante d'album qu'il signera avec Stax Records par la suite (12 albums) et le point culminant de sa popularité au près du public noir reste sa participation en 1973 au concert fêtant le 7e anniversaire des émeutes du quartier Watts de Los Angeles (voir documentaire Wattstax).

(1923-1992)

Taste - On The Boards

2009-10-02T18:16:00.020+02:00

La Transition

1."What's Going On" - 3:37
2."Railway and Gun" - 3:38
3."It's Happened Before, It'll Happen Again" - 6:33
4."If the Day was Any Longer" - 2:10
5."Morning Sun" - 2:39
6."Eat My Words" - 3:47
7."On the Boards" - 6:02
8."If I Don't Sing I'll Cry" - 2:40
9."See Here" - 3:05
10."I'll Remember" - 3:02

"Le Cream du pauvre !!!" titrait une certaine presse pour désigner la formation irlandaise. Il est vrai que Taste présentait quelques similitudes avec la formation de Clapton/Bruce/Baker de part la forme du trio, une musique avec comme base principale le Blues avec quelques incursions jazzy comme il était coutume chez la plupart des groupes de l'époque. De plus le groupe avait fait la première partie de Cream lors de leur concert d'adieu, ce qui ajoute à la comparaison.

Mais là où Cream semblait tenir l'essence de sa musique des trois membres qui le composait, Taste était l'oeuvre d'un seul et unique musicien: Rory Gallagher.
Agé de 18 ans à la formation du groupe en 1966, il sera l'unique membre permanent (le bassiste Eric Kitteringham et le batteur Norman Damery quittant le groupe en 1968) et l'unique auteur/compositeur, signant tous les titres des deux uniques opus du groupe Taste (1969) et On The Boards (1970).

Ce dernier effort est intéressant à plusieurs titres car il montre des facettes que Gallagher laissera définitivement tomber ou se refusera de réitérer dans ses albums solo. Notamment un amour évident pour le jazz et pour les grands souffleurs à l'instar de John Coltrane auquel on ne peut s'empêcher de penser lorsque l'on écoute ce que Rory à peine âgé de 22 ans arrive à tirer d'un saxophone au bout de quelques mois de pratique. Si techniquement cela s'avère approximatif reste que ses interventions au saxo sur "It's Happened Before, It'll Happen Again" et "On The Boards" instaurent un climat unique qui n'est pas déplaisant pour le mélomane. Par la suite on entendra très peu Rory jouer du saxo sur ses albums solo à l'exception de quelques titres (" Million Miles Away" & "They Don't Make Them Like You Anymore" de l'album Tattoo de 1973) mais plus pour créer un fond sonore que pour faire étalage de sa virtuosité.

Inversement on notera que certains titres portent en eux des caractéristiques propres aux futures compositions du Rory Gallagher Band. "What's Going On" ouvre la voix au Blues Rock musclé qu'il créera au fil des albums et qu'il jouera sur scène. "Eat My Words" quant à lui laisse présager les futures monument immortalisant le talent de Rory à la slide guitar. Et "See Here" est le titre acoustique que Gallagher s'obligera d'insérer dans presque tout ses albums et qu'il interprétera sur scène.

Malgré un engouement de plus en plus intense qui atteindra son paroxysme lors de son passage au Festival de l'île de Wight en août 1970, Taste splitte contre toute attente mais logiquement. La formation ne servant qu'à assouvir les ambitions de Rory. Taste n'était qu'une étape dans sa carrière et "On The Boards" sa phase de transition.

Deep Purple Fête de l'Huma 12/09/09

2009-09-27T14:32:00.012+02:00

Cela faisait presque 3 ans que Deep Purple n'avait pas pointé son nez sur Paris. Mais cette année c'est à la fête de l'Huma qu'il se retrouve programmé. Il est clair qu'ils sont la principale attraction de ces 3 jours, la foule venu en masse pour les voir ne fait que confirmer cette idée.

Premier concert du groupe à cet endroit et première fois que je les vois. Malgré une net préférence pour le célèbre MKII, c'est avant tout par curiosité que je fais le déplacement avec ma soeur.

Arrivée vers 19h nous évoluons dans les allées de la fête déjà noire de monde.
Deep Purple étant programmé à 21h50 il est clair que nous sommes en avance, toutefois nous patientons en musique avec le set de The Kooks un jeune groupe de Rock pas extraordinaire mais vaut mieux ça que rien du tout pour patienter.

Une fois leur set terminé nous nous rapprochons de la scène pour Deep Purple et là commence un vrai parcourt du combattant pour se frayer un chemin. Le concert n'a même pas commencé qu'il y a des mouvements de foule.

Mais dès l'entente de l'intro de Highway Star la fosse déjà en ébullition devient insoutenable. Pourtant habitué à ce type de concert j'ai été surpris par la violence de cette foule et j'ai été obligé de reculer et de quitter la zone de pogo pour bien apprécier le concert. A de nombreuse reprise des personnes tombaient et entraînaient les personnes avec elles. Je suis moi mêmes tombé et j'ai bien cru que j'allais finir écrasé par les personnes autour de moi. Heureusement un brave type m'a aider à me relever voyant que j'étais en difficulté.

D'ailleurs j'aimerais souligné que j'ai été choqué de voir une femme environ la quarantaine et sa fille adolescente, prisent dans le mouvement de foule, criant au secours et pleurant. Certaine personnes sont insensées et ne comprennent pas qu'à partir d'un certain âge, il vaut mieux s'abstenir d'assister à un concert Rock dans les premiers rangs dans une foule composée majoritairement de jeunes de 15 à 30 ans. Autres choses qui m'a surpris ou plutôt énervé ce sont ces bandes de lascars (pour ne pas écrire un mot prohibé depuis ce fameux mois d’octobre 2005) parcourant la foule en quête de personnes à raquetter et lorsqu'ils rencontraient de l'opposition, y allaient à coups de poing comme ce fut le cas pour un pauvre type qui depuis a du se chopper un vilain oeil au beurre noir doublé d'une fracture du nez.

Mais malgré le tumulte dans le public sur scène les papys rock (moyenne d'âge 55 à 64 ans) enchaîne les titres avec aisance. Toutefois je soulignerais que sur la plupart des classiques Ian Gillan à tendance à peiner, surtout lorsqu'il s'agit des passages où habituellement sa voix doit être haute. Quant à Steve Morse si il peine au près de certains à faire oublier Ritchie Backmore reste qu'il assure vraiment et sait donner vie aussi bien aux titres les plus anciens (Strange Kind Of Woman, Wring That Neck...) qu'aux titres les plus récents comme l'arabisant Rapture Of The Deep ou la sublime ballade Sometimes I Feel Like Screaming.

Don Airey l'organiste qui a remplacé John Lord depuis 2003 n'est pas en reste. Pour preuve son solo en milieu de concert ne manquant pas au passage de titiller l'ardeur du public en interprétant un court passage de la Marseillaise.

Le clou du spectacle restera sûrement l'enchaînement Space Truckin' / Smoke On The Water où tout le public s'époumonera en criant "Smoooke on the waater !! Fire in the sky !!"

En guise de rappel le groupe entame Green Onions de Booker T & the MG's (je pense avoir été un des rares à reconnaître le titre) pour enchaîner avec une version convaincante de Hush mais qui n'émoustillera pas le public plus que ça. Ne chantant que rarement les "Na na na" lors du refrain. Par contre c'est un vrai jeu de question/réponse auquel joue le public et le groupe reprenant en coeur le riff de Black Night qui mettra un terme aux festivités.

Setlist:

Highway Star
Things I Never Said
Strange Kind Of Woman
Rapture Of The Deep
Fireball
Contact Lost
Steve Morse solo
Sometimes I Feel Like Screamin'
The Well- Dressed Guitar
Wring That Neck
The Battle Rages On
Don Airey solo
Perfect Strangers
Space Truckin'
Smoke On The Water

Rappel:

Green Onions/Hush
Black Night

C'était il y a 40 ans...

2009-08-17T16:29:00.034+02:00

Jimi Hendrix: Live at Woodstock

Disque 1:

1. Introduction
2. Message to Love
3. Hear My Train A Comin'
4. Spanish Castle Magic
5. Red House
6. Lover Man
7. Foxey Lady
8. Jam Back At The House

Disque 2:

1. Izabella
2. Fire
3. Voodoo Child (Slight Return)
4. Star Spangled Banner
5. Purple Haze
6. Woodstock Improvisation
7. Villanova Junction
8. Hey Joe

C'était il y a 40 ans... la jeunesse américaine se réunissait à Bethel à côté de Woodstock pour trois jours d'amour, de paix et de musique du 15 au 18 août 1969.

L'événement qui devait accueillir 50 000 personnes en accueillera finalement 400 000. Le festival payant à la base devint par la force des choses un évènement gratuit, ce qui fut un désastre financier pour les organisateurs mais qui inscrivit définitivement l'évènement dans la légende.

Une légende crée aussi et grâce à une affiche incroyable, la crème de la musique de l'époque était réuni: Janis Joplin; Joe Cocker; The Who; Canned Heat; Santana; Ten Years After; Sly & the Family Stone; Crosby, Stills, Nash & Young; Joan Baez; Johnny Winter; Jefferson Airplane... et bien sûr Jimi Hendrix

Mais ce qui fut un véritable coup de projecteur pour certains (ex: révélation de Ten Years After et de Joe Cocker) fut un vrai calvaire pour d'autres. La faute à une organisation et une logistique pas toujours au point, à cela on peut ajouter la pluie qui s'est abattu sur le site durant le deuxième jours (ex: Prestation décevante de Creedence Clearwater Revival, qui leur inspira plus tard le titre "Who'll Stop The Rain") qui rallongea la durée du festival jusqu'à ce fameux matin du 18 août où Jimi Hendrix et son nouveau groupe entra en scène.

C'est sous le nom de "Jimi Hendrix Experience" qu'est annoncé le groupe, mais Hendrix vient tout de suite clarifier les choses en précisant que l'Experience n'est plus et qu'il a laissé place au Gypsy Sun & Rainbows ou Band of Gypsy. Chose osée pour un évènement de cette envergure c'est avec un groupe à peine rodé que Jimi se produit cette matinée du 18 août 1969. Une formation composé de Billy Cox (basse) un ancien ami de régiment de Jimi qui sera son bassiste jusqu'à sa mort l'année suivante, Mitch Mitchell (batterie) qui est l'unique survivant de la dissolution de l'Experience, Larry Lee (guitare), Juma Sultan & Jerry Velez (percussions).

La formation a rendez vous avec l'histoire et c'est avec "Message to Love" qu'elle débute. Une nouvelle composition peu jouée jusqu'alors et qui verra son apogée avec le live Band of Gyspsy. Une entrée en matière en douceur finalement d'un concert qui ne fera qu'aller en intensité jusqu'à l'explosion finale."Hear my train a Comin'" titre non présent dans la version DVD du concert et dont la version acoustique doit être plus connu du grand public que la version électrique. Néanmoins ce titre n'est pas récent puisque Jimi l'a interprété à plusieurs reprise avec l'Experience, ici on sent clairement les prémices de Machine Gun qui verra le jour quelques mois plus tard. C'est une très bonne version que le groupe nous sert, on notera que la version de ce double se verra éditée du solo de Larry Lee comme ce sera le cas de pratiquement tout ses solos sur les titres suivant. Et que deux compositions de Lee (Mastermind, Gypsy Woman) sont absent du double cd et du DVD.

"Spanish Castle Magic" & "Red House" titre bien connu du répertoire hendrixien font leur apparition. Si la prestation du premier titre est correct, on est légèrement frustré par ce Red House où Hendrix se montre inspiré tant au niveau guitaristique qu'au chant mais la tension tombe subitement lorsque Jimi casse une corde. On ne l'entend pas sur le double mais Jimi passe le relais à Larry Lee dont le solo est coupé. Ecourtant ainsi une version prometteuse.

S'ensuit "Lover Man" qui n'est autre que la version hendrixienne de "Rock me Baby" de BB King. Une version enjouée ou Hendrix d'humeur dansante laisse largement la place à Larry Lee. "Foxy Lady" autre titre incontournable du répertoire hendrixien, sans être la meilleure interprétation de la carrière du Voodoo Child a le mérite de montrer un semblant de cohésion dans cette nouvelle formation.

A partir de "Jam Back at the House", instrumental au rythme hypnotique, le concert prend une nouvelle tournure. La cohésion du groupe se ressent beaucoup plus que lors des morceaux précédents. Ajoutons cependant que les percussions assurés par Jama Sultan & Jerry Velez sont difficilement perceptible et ce, durant l'intégralité du concert. "Izabella" nouvelle composition raconte l'histoire d'un soldat sur le front qui espère que sa bien aimée ne le trompera pas pendant son absence. Hormis les paroles c'est un titre jouissif qui ne sera joué que très rarement par la suite.Retour avec du plus conventionnel avec "Fire" dont la violence de l'interprétation n'a pas à pâlir avec la version studio.

Rien, je penses n'aurait pu préparer le public à ce qu'il allait voir dans cette dernière partie de concert. Avec "Voodoo Child (Slight Return)" Hendrix et le Gypsy Sun & Rainbows proposent tout simplement une des meilleures versions de ce titre en live. L'intensité ne semble jamais vouloir redescendre, hormis le passage où Jimi présente le groupe tout en continuant à jouer. La cohésion tant recherché par le groupe depuis le début semble être trouvé. Jimi ira même jusqu'à proposer aux personnes du public qui s'ennuie de partir prétextant que le concert tournait à la jam.

Ceux qui ont suivis ce conseil ont du s'en mordre les doigts. Car bien que le public soit passé de 400 000 à 30 000 personnes en cette fin de festival, le clou du spectacle et le passage qui rendra Woodstock immortel et si représentatif d'une génération va se dérouler sous leurs yeux.

Jimi s'approprie sous les yeux stupéfait du public l'hymne américain "The Star Spangled Banner", ponctuant son interprétation de sons de bombes comme si un avion larguait du napalm ajouté à cela des cris. Hendrix fait alors figure de véritable sculpteur sonore et la comparaison avec Guernica est forte à propos. Une version lourde de sens vu le contexte politique de l'époque et un courage énorme de la part d'un jeune noir de 26 ans qui touche à un symbole aussi sacré n'ayant à aucun moment peur de choquer l'Amérique puritaine.

C'est sous les applaudissements et les cris du public conquis que Hendrix enchaîne avec "Purple Haze", un titre qui trouve son point culminant avec l'enchaînement vers cette longue improvisation "Woodstock Improvisation" où Jimi sans aucune esbroufe fait preuve à la fois de virtuosité et d'un grand sens d'improvisation, passant de la grande décharge électrique à la Wha Wha au passage plus rythmé pour finir dans un calme serein faisant se profiler au loin le sublime instrumental "Villanova Junction".

Le concert aurait pu se terminer sur cette note de légèreté mais Jimi décide de conclure avec "Hey Joe". Lui qui à plusieurs reprises avait dit en avoir assez de jouer ce titre, c'est sûrement pour remercier le public qu'il l'interprète en toute fin de concert.

BB King Paris Palais des Congrès 22 juillet 2009

2009-08-05T13:29:00.013+02:00

Premier concert de BB King pour moi, j'avoue que j'aurais préféré le voir dans le cadre d'un festival (Cognac ou Nice) j'ai du me rabattre sur le Palais des Congrès à la dernière minute.

Arrivé dans l'enceinte du Palais des Congrès ce que je pressentais se confirme, ce bâtiment est froid et sans âme. J'ai eu un peu l'impression d'entrer dans une salle de ciné genre UGC mais 2 à 3 fois plus grande. A la base j'étais sensé me trouver à l'avant dernier rang tout en haut mais la charmante dame chargée de me conduire à ma place me propose de me faire avancer d'une dizaine de rang plus bas.

Gros point noir de la soirée: l'attente. Bien qu'on nous passe du vieux blues en fond sonore, je me suis aperçu que finalement une première partie d'une petite demi heure voir 45 min n'aurait pas été de trop. Le BB se fait désirer et c'est à 21 h passer que le concert commence avec ses musiciens pour commencer, je n'ai pas retenu les noms, reste que le batteur Tony Coleman est celui qui m'a le plus impressionné.
Deuxième point noir la sono, j'ignore comment c'était plus bas ou plus à droite de la salle mais le son des cuivres au début était insupportable.

Une fois les deux premiers morceaux de chauffe joué par le groupe terminer, BB King rentre en scène, veste violette à paillette. Je l'ai trouvé plutôt en forme pour un octogénaire et c'est seul sans l'aide de quiconque qu'il trouve sa place. Le concert commence avec Let The Good Time Roll et le son légendaire et si caractéristique de Lucille se fait entendre mais bizarrement ça n'a pas provoqué les sensations escompté. J'ai trouvé le son de sa guitare un peu trop fort et avec une distorsion assez inhabituelle, enfin c'est l'impression que j'avais de là où j'étais assis.

Nan définitivement ce qui m'a le plus ému et ce que je retiendrais de ce concert c'est cette voix, quasiment intact à 83 ans. Et l'entendre en live et sûrement le premier prétexte pour moi qui justifie de voir BB King au moins une fois dans sa vie. Les titres s'enchaîne Every Day I Have The Blues, Guess Who, One Kind Of Favor.

Et comme le laisse présager la plupart de ses concerts et son âge avancé la parlotte prend quelques peu le pas sur le musique. Tout commence par des congratulations où BB fait de la lèche au public en disant que "La France est un des rares pays à comprendre le Blues", que "Paris est une des trois meilleurs villes au monde pour le Blues" etc... j'imagine qu'il a un discours rôdé en fonction de chaque villes où il joue. Tantôt c'est Nice, tantôt c'est Vienne qui est la capitale du Blues en France. L'autre partie du concert il l'a passera à blaguer et a faire rire le public. J'avoue avoir éprouvé de la lassitude par moment, ne sachant pas vraiment quel attitude adopté et me demandant si l'on devait laisser passer sans rien dire sous prétexte que le King of the Blues est âgée et plus proche de la tombe et que vu son passé et son apport au Blues on pouvait lui pardonner ces moments de délires avec le public. La question se pose pour d'autres artistes âgé (Buddy Guy pour ne citer que lui) qui n'ont plus l'énergie qui comble ce manque d'énergie par beaucoup de parole et de la surenchère.

Il dédicace un titre pour les femmes en disant clairement qu'il était dégoûté de la façon dont les rappeurs traitent les femmes dans leurs chansons.Puis il enchaînera avec Rock Me Baby qu'il dédicace cette fois aux hommes. Et frustration pour ma part il ne termine pas le morceau puisqu'il enchaîne directement avec The Thrill Is Gone et encore là bizarrement le lot de frissons que j'espérais n'arrive pas, fautes peut être à la sono ou à la sections de cuivres que je trouve bien terne contrairement aux versions que j'ai l'habitude d'entendre.
Oh when the saints clôt le concert, très vite une masse de gens se précipite devant la scène pour reçevoir des médiators et pour serrer la main de BB King. Etant trop loin j'assiste à la scène en applaudissant.

Le BB quitte la scène, il est temps pour moi de rejoindre ma soeur et un ami qui était assis quelques rangs devant moi. Au final, je suis heureux d'avoir vu BB King, je retiendrais surtout cette voix et la bonne humeur du bonhomme. Mais je suis en parti frustré et voit ce concert en demi teinte à cause de cette sono qui m'a un peu gâché le son de Lucille que je trouvait trop stridant par moment. Pour ce qui est du fait qu'il ait beaucoup parler je met cela sur le compte de l'âge. Je m'estime heureux et chanceux car l'occasion de voir BB King à l'avenir, ne se présentera sûrement pas de si tôt voir plus du tout.

AC/DC Glasgow Hampden Park 30 juin 2009

2009-07-12T15:45:00.013+02:00

Jamais de ma vie, je n'aurais imaginé mettre les pieds en Écosse et pourtant c'est bien là que ma sœur et moi avons atterris. C'est dingue ce que la passion pour un groupe peut pousser à faire. Essayer de voir les membres d'AC/DC au Georges V était pour moi un premier signe d'obsession, voir de fanatisme, mais les voir dans la ville natale des frangins Young a poussé le vice au delà de l'imaginable.

C'est donc le dimanche 28 juin que nous prenons l'avion à l'aéroport de Beauvais, après avoir au préalable loupé le vol de 14h00, nous n'avons pas d'autre choix que d'attendre le prochain qui est à 23h55. Je passe volontairement sur la longue attente à Beauvais qui n'est pas vous comprendrez la ville la plus passionnante de France.

C'est donc tard dans la nuit que nous arrivons à l'aéroport de Prestwick, à quelques kilomètres de Glasgow (oui je vous parles pas en miles parce que cette unité de mesure m'est totalement étrangère). Après avoir pris un car direction Buchanan Bus Station en plein coeur de Glasgow, nous prenons un Taxi en direction de notre auberge de jeunesse Globetrotters Hostel. Une auberge de jeunesse dans un état de délabrement avancé qui ne doit pas compter beaucoup de client. Mais au delà de son apparence l'accueil que l'on reçoit est exemplaire. Un vieil écossais et deux jeunes irlandais (dont un prénommé Angus ) nous invite à trinquer avec eux. Malgré l'heure tardive (près de 1h00) nous acceptons pour ne pas les vexer. Après nous avoir fait un long discours sur la supériorité de Glasgow par rapport à Edinburgh et les liens fraternel unissant l'Écosse et la France depuis le moyen âge, le vieil écossais un peu trop imbibé d'alcool commence à somnoler. Il est 4h00 passé et nous même imbibé de Vodka demandons où se situe nos chambres. C'est avec un plaisir certains que nous prenons nos aises même si l'état d'insalubrité des chambres aurait de quoi faire fuir.

La journée du lundi nous permettra de nous familiariser avec la ville. Autant le dire tout de suite, si l'accueil est le point fort de cette ville c'est sûrement pour compenser avec le peu de choses à voir. Pour faire simple Glasgow offre très peu d'attrait du point de vue touristique. Avant notre départ et même à notre arrivée ma soeur et moi même étions stupéfait de ne pas trouver de guide touristique sur la ville du type "Guide du Routard" ou autre. Fort heureusement le centre ville et ses nombreuses rues piétonnes ont de quoi nous occuper pour le restant de la journée. Autre signe positif la ville semble s'être mis au couleur d'AC/DC avec des devantures de Pub et magasins affichant clairement l'évènement à venir.
Mais avant de prendre l'énorme baffe à Hampden Park le lendemain, nous nous sommes réservé un petit amuse gueule en allant voir le légendaire John Mayall à l'O2 Academy ce lundi soir.(voir chronique précedente)

Mardi 30 juin, le jour tant attendu est arrivé… C’est à 10h00 que nous nous réveillons, quelqu’un frappe à notre porte, il s’agit de trois fans d’AC/DC écossais fraîchement débarqué. D’emblé ils nous offrent une bière que nous acceptons, même si une bière en guise de p’tit dèj’ n’est pas dans nos habitudes. Une fois prêt nous partons en direction du centre ville, achetons quelques boissons et sandwichs puis prenons notre train à Central Station. Normalement nous aurions du descendre à Mount Florida station mais, erreur de ma part, nous descendons Queens Park station, ce qui nous obligent à marcher sur au moins 1km. Pour le coup ça valait le coup de descendre plus tôt nous passons devant un somptueux parc et des habitations plutôt cossus.

Enfin arrivé aux abords de Hampden Park nous nous posons devant l’entrée B, j’en profite pour envoyer un texto à Jul’(du forum Highway to ACDC) qui me répond qu’ils sont encore au centre ville. Malgré une chaleur écrasante l’attente est supportable. Certains tue le temps en jouant au ballon ou en lisant la presse people.

Après environ 1h30 d’attente, de longues files commencent à se former et pas très loin de moi je vois deux types vestes à patch. A coup sûr c’est eux… Ma sœur va à leur rencontre pendant que je garde notre place dans la file et effectivement il s’agit bien de Jul’ et de Loïc. Les portes s’ouvrent et j’ai à peine le temps de saluer Jul’ que nous entrons à l’intérieur.

Nous prenons place à gauche de la scène côté Malcolm et commençons à faire connaissance. On évoque nos concerts précédents. Jul’ a un beau palmarès à son actif: 20ème concerts. Autant dire que moi et mon 4ème concert des boys on a l’air vraiment ridicule à côté.

Lorsque The Answer pointe le bout de son nez nous avons enfin l’occasion de tester ce public écossais et surtout l’acoustique du Stade. Les irlandais fidèle à eux-mêmes enchaîneront le même set comme on a pu le voir à chaque dates de cette tournée européennes. A l’exception de cet hymne écossais qui réveillera les ardeurs du public d’Hampden.

Si on peut à la longue être saoulé de voir The Answer à chaque concert, ce n’est rien à côté de l’affligeant groupe anglais The Subways. De mémoire je ne me rappelle pas avoir vu un groupe aussi pédant et prétentieux. Et musicalement j’vous raconte pas… ça fait tourner trois/quatre accords tout en hurlant à gerber et en tournant sur soit même avec sa guitare et ça ose s’autoproclamer comme étant un groupe de Rock.

De plus, vu le scandale qu’ils avaient provoqué à Wembley, quelques jours plus tôt en insultant les boys et leurs fans je ne comprend pas qu’ils aient été maintenu en première partie. D’ailleurs tout au long de leur set, ils tenteront de se racheter en caressant dans le sens du poil le public et en faisant l’éloge de l’Écosse. Un public visiblement pas dupe puisque autour de moi un champ de majeurs bien dressés bourgeonna comme par enchantement.

Et nous voici maintenant dans la dernière ligne droite, les roadies des boys accordent les instruments et la bande sonore qui nous passe du Buddy Guy se fait entendre. Devant nous une bande de jeunes filles écossaises bien en chaires n’ont pas l’air consciente que cette fosse en apparence calme sera dans une poignée de minutes un véritable chaudron. Jul’ met en garde une des filles mais cette dernière ne semble pas prêter attention à ce qu’il dit.

Et c’est parti !!! Le cartoon fait son apparition à l’écran. On a beau l’avoir vu maintes et maintes fois que ce soit en concert ou en vidéo sur le net, reste que cette entrée en scène a de la gueule. Le train déraille et le petit diablotin déguisé en écolier apparaît et sonne les premiers accords de Rock n’ Roll Train. Que dire de plus si ce n’est que la baffe est immense comme à chaque fois. On a beau être à la dernière date nos boys donneront le maximum comme à chaque concerts. Dès le début les gens de derrières exercent une pression immense qui nous compriment contre les barrières.

La bande de jeunes filles commencent à montrer des signes d’affolement. L’une d’entre elle notamment située devant moi ne semble pas comprendre que cette pression viens des gens de derrière et commencent à m’insulter de tout les noms d’oiseaux possibles et imaginable. Elle ira jusqu’à m’écraser violemment le pied droit. Puis pris de panique sur Back in Black demandera à se faire évacuer par les gars de la sécurité. L’ami Jul’ mettra la main à la patte en aidant les autres demoiselles à sortir, ce qui non seulement nous fera un gain de place évident et nous permettra enfin d’être contre les barrières.

A partir de Big Jack, je peux enfin profiter du concert sans trop me soucier des gens qui demande à se faire évacuer. Néanmoins je soulignerais un détails plutôt étonnant, ce sont en majorité des gens corpulents qui se font sortir. Les filles au gabarit plus petit résistant apparemment mieux à la pression.

Sur scène nos boys se déchaînent, enchaînant les titres avec l’aisance habituel mais je soulignerais juste que Brian semblait bien plus fatigué que les autres avec une voix moins au top que d’habitude. Pour le reste que dire de plus si ce n’est que le plaisir est toujours le même à l’écoute des Dirty Deeds, Shot Down In Flames, Thunderstruck. Brian nous foirera quelques peu le début des paroles de The Jack, mais le strip d’Angus et les vidéos montrant des jeunes filles du public (notamment une qui n’hésitera pas à faire le topless) nous fera oublier ce petit incident. Après Hells Bells un petit changement de guitare s’impose avec notamment l’utilisation de la White Falcon pour Malcolm sur Shoot to Thrill.

Moment qui a failli être magique pour moi avant War Machine, mon regard croise celui de Brian, je lui fais signe et il me répond à son tour qu’il revient. Il part non loin de Malcolm et revient avec une bouteille (sûrement un genre de boisson énergisante) qu’il lance dans ma direction malheureusement, je la frôle du bout des doigts et c‘est quelqu’un sur ma gauche qui la récupère.

J’ai beau les voir pour la 4ème fois mais rien n’y fait je reste passif sur Anything Goes. A partir de You Shook Me All Night Long le concert prend une toute autre dimension, le public réceptif chante les chansons en entier avec Brian qui en profite surtout au début de Whole Lotta Rosie. Sur le même titre Brian pris dans le feu de l’action en perd son oreillette (sûrement pour les retours) et ne peut chanter la fin de la chanson.

Let There Be Rock est sûrement un des titres qui me procure le plus de frissons en live car le groupe donne tout ce qu’il a et c’est le moment de grâce d’Angus où il fait étalage de sa dextérité. Une chose m’a frappé pendant que Angus était sur la plateforme, j’ai pu distinguer Brian dans la pénombre en train de pratiquer un genre d’exercice de respiration, fermant les yeux et inspirant puis expirant profondément.

Certains avait fait le chemin exprès pour l’entendre mais j’avoue que d’entendre Bonny ne m’a pas donné le lot de frisson escompté. J’aurais préféré que Angus le joue une fois sur scène, la communion avec le public aurait été plus intense. Highway to Hell et For Those About To Rock (We salute you) terminent comme d’habitude les festivités. Je ne m’attendais à aucune surprise néanmoins j’ai été surpris par l’ampleur de ce feu d’artifice bien plus impressionnant que le pétard mouillé que nous avions eu droit au Stade de France.

Petite photo souvenir avec Jul’ devant cette scène que nous espérons tous revoir un jour, puis il est temps de retrouver Loïc et Arnukem (eux aussi membres de H2ACDC) avec qui je fais seulement connaissance. Ensemble nous referons le concert sans trop aborder la question qui nous trottent tous dans la tête à savoir « Avons-nous assisté à leur dernier concert en Europe ? »

We Salute You Scotland !!!

Setlist:

"Rock 'n' Roll Train"
"Hell Ain't a Bad Place To Be"
"Back In Black"
"Big Jack"
"Dirty Deeds Done Dirt Cheap"
"Shot down in Flames"
"Thunderstruck"
"Black Ice"
"The Jack"
"Hells Bells"
"Shoot To Thrill"
"War Machine"
"Dog Eat Dog"
"Anything Goes"
"You Shook Me All Night Long"
"T.N.T."
"Whole Lotta Rosie"
"Let There Be Rock"

Rappel:

"Bonny/Highway To Hell"
"For Those About To Rock (We Salute You)"

John Mayall O2 Academy Glasgow 29 juin 2009

2009-07-12T15:25:00.015+02:00

Autant le préciser tout de suite, le but du voyage à Glasgow n'était pas à la base pour aller voir John Mayall mais pour voir une dernière fois une certaine formation de (Hard ?) Rock cher à mon coeur. Mais comme Glasgow n'est pas une ville avec un très grand attrait touristique, l'idée de voir John Mayall et sa nouvelle formation est très vite venu à l'idée de ma soeur et de moi même pour nous occuper pendant ces 4 jours. C'est à l'O2 Academy, salle comparable à La Cigale (pour donner un ordre d'idée) en terme de capacité de place que le père Mayall a élu domicile. C'est aux environs de 18h00 que nous arrivons dans les parages. Une maigre file d'attente d'une vingtaine de personne, principalement composée de quadra et de quinqua est déjà présent au moment ou nous arrivons. A 18h30 les portes s'ouvrent et nous nous engouffrons à l'intérieur. A ma grande surprise l'accès au balcon est fermé, Mayall n'ayant sûrement pas vendu le nombre de place escompté, c'est en fosse que nous nous retrouvons et en place assise. Je passerais sur la première partie qui était un étrange groupe britannique qui jouait un genre de country folk accumulant les clichés pompeux.

C'est tout d'abord seul que John Mayall se pointe sur scène, saluant le public et jetant un rapide coup d'oeil sur la salle qui ne compte qu'une centaine de personnes présente. Ce qui est peu pour un artiste de sa renommé. Peu lui importe puisqu'il nous annonce le premier morceau du concert. Un titre dans l'esprit de Sonny Boy Williamson II, Another Man (présent sur le célèbre Beano) qu'il joue seul à l'harmonica. On ne pouvait espérer meilleur entrée en matière, ce début de concert prend d'emblée une atmosphère de cours avec pour unique matière - le Blues.

Le nouveau groupe de John rentre alors en scène composé de Rocky Athas (Guitare) qui pour info est un guitariste Texan et un ami d'enfance de Stevie Ray Vaughan. Greg Rzab (basse) au C.V impressionnant (Santana,Jimmy Page,Jeff Beck, The Allman Brothers, Albert King, Otis Rush...), il auditionna au près des Stones en vu de remplacer Bill Wyman. Jay Davenport (batterie) lui même ayant joué par le passé avec de grands noms du Blues (Pinetop Perkins, Melvin Taylor, Junior Wells, Jimmie Johnson...). Tom Canning (Clavier) qui est le seul rescapé de la dissolution des Bluesbreakers qui n'est plus à présenter.

Donc le concert s'enchaîne avec son lot de classique pour la majorité issu du fameux Beano (Hideway, All Your Love, Parchman Farm, Have You Heard...). Mayall ne laissera les clavier de côté pour la guitare uniquement le temps d'un titre issu du dernier album.

Les nouveaux acolytes de John s'amuse sur scène et ça se voit, Mayall n'hésitant à aucun moment de se mettre en retrait pour les mettre en valeur. Le style texan de Rocky Athas apporte une certaine dynamique à ce groupe que Mayall n'avait pas ou avait perdu avec les Bluesbreakers de Buddy Wittington. De cette nouvelle formation j'avoue ne pas avoir été des masses transporté par les interventions de Tom Canning.

Anecdote et moment hilarant lors de ce concert. Notre présence intriguera un de nos voisins qui aura le culot de tendre une feuille au père Mayall où il a écrit: (le mot était en anglais) " Les deux personnes près de moi sont parisiens, je ne demande pas un petit Parisienne Walkays (le fameux titre de Gary Moore) mais ? " autant dire qu'après la lecture de Mayall de ce mot nous étions grillés dans tout la salle comme si on braquait des projecteurs sur nous. A la sortie de la salle nous avons eu droit à des "Bienvenue en Écosse" et en français de la part de personnes du public qui avaient assisté amusé à toute la scène.

Voilà donc à peu près tout ce que je pouvais dire sur ce concert, mon premier de John Mayall et qui j'espère ne sera pas mon dernier (Mayall ayant apparemment boudé la France pour sa nouvelle tournée).
Je m'excuse au passage de ne pas avoir développé d'avantage sur la setlist (que j'ai oublié hormis quelques titres) mais qui, je peux le certifier était centrée d'avantage sur les classiques.

Neil Young Zénith de Paris 4 juin 2009

2009-06-11T09:53:00.021+02:00

Ce 4 juin 2009 restera à jamais gravé dans ma mémoire. Après l'avoir loupé de peu l'année dernière, j'ai enfin l'occasion de rattraper mon erreur et de voir enfin le grand Neil Young.

Ce n'est pas à l'Olympia ou au Grand Rex que le Loner a élu domicile mais au Zénith, une salle moins intimiste c'est vrai mais plus à la mesure de la grande décharge électrique qu'il s'apprête à envoyer comme en témoigne son dernier album en date Fork in the Road. Un album qu'il n'a pratiquement pas exploité sur scène à l'exception du titre "Get Behind The Wheel".

C'est donc dans un Zénith plein à craquer que le Loner joue ce soir, devant un public assez éclectique. On compte autant de fans de la première heure que de jeunes ados sevré au son de Harvest.

La scène en elle même offre une vision plutôt anarchique, avec des câbles de part et d'autres. Et fantaisie de la part du Loner, un totem indien et un téléphone rouge (un clin d'oeil de la Guerre Froide sans doute) paraissent sortir de nulle part.

C'est à une heure plutôt tardive (21h30) que le vieux Neil entre en scène. L'homme à l'air vraiment très vieux du haut de ses 64 ans mais c'est dans une tenu décontracté qu'il se présente. Chemise blanche avec T Shirt à l'effigie du révolutionnaire Zapata, un jean et comme il ne cessera de le rappeler tout au long du concert en refaisant régulièrement ses lacets entre chaque chansons: une nouvelle paire de chaussures.

En le voyant dans cette tenu on ne peut s'empêcher de penser que c'est sûrement à ça qu'aurait ressembler un Kurt Cobain dans 20 ans si il ne s'était pas ôter la vie. Car c'est le Neil Young "Père du Grunge" qui se déchaîne dès les premier accords de Love And Only Love, dispersant ainsi les doutes quant à sa santé qui a été si malmené ces dernières années.

La première partie du concert toute en électricité montre un Neil Young combatif, se battant avec sa guitare pour sortir des solis déchirant.

Le concert poursuit sur sa lancée Hey Hey, My My (Into the Black) , Nobody Knows This Is Nowhere , Pocahontas, Spirit Road... la tension redescend un peu le temps d'un somptueux et lancinant Cortez The Killer. Puis remonte considérablement dès l'entente du riff de Cinnamon Girl qui met le Zénith en ébullition.

Neil laisse un temps de côté la guitare et se met à l'orgue pour le titre Mother Earth, qui fait parti de son nouveau trip écolo. Pour ma part le message passe plutôt mal, je regarde l'heure et attend le prochain titre avec impatience.

Neil Young entame seul le set acoustique avec Don't Let It Bring You Down interprété dans un calme religieux. S'enchaîne ensuite deux titres (avec le groupe cette fois) de l'album Comes A Time (1978), Goin' Back et Comes A Time. Le Loner ne pouvait pas ne pas remiser un titre aussi incontournable de son répertoire que Heart Of Gold. Un titre repris en choeur par le public mais qui bizarrement ne m'a pas fait frissonner comme je l'aurais pensé. Peut être est-ce du à la partie de pedal steel de Ben Keith que j'ai trouver un peu fade.

Voyant le public définitivement conquis, le vieux Neil en profite pour présenter son groupe composé de Ben Keith (pedal steel et guitare) Rick Rosas (Basse) Chad Cromwell (Batterie) la femme de Neil Pegi Young (Choriste) Anthony Crawford (Choeur, Guitare, Piano). Old Man vient terminer ce set acoustique en beauté avec un public très réceptif et enjoué dès l'apparition de Larry Cragg (roadie de Neil Young) au banjo.

Retour à l'électrique pour une dernière partie de concert aussi excitante que la première. Avec Mansion On The Hill la machine électrique se remet en branle suivit de Get Behind The Wheel puis Rockin' in The Free World que le groupe ne semble plus vouloir arrêter tant l'éclate sur scène comme dans le public atteint son paroxysme. Après un long salut, Neil et son Electric Band quitte la scène... mais le spectacle n'est pas fini.

De retour sur scène, un clavier en forme d'oiseau descends sur la scène et c'est de nouveau parti avec Like A Hurricane dans une version hypnothisante où le canadien se fend à nouveau de longs solos déchirant.
Mais le mur du son est définitivement franchi avec la reprise des Beatles A Day In The Life, le Loner s'acharnant sans relâche sur sa vieille Les Paul, triturant les cordes avec sa barre de vibrato jusqu'à l'explosion de ces dernières.

C'est sous ce déluge sonore et cette vision apocalyptique que le vieux Neil et son band quitte définitivement la scène. Laissant un public du Zénith dans un tout autre état que dans lequel il était au départ.
Mais avec la certitude qu'avec ce genre de concert Rock N' Roll Can Never Die !

"Love And Only Love"
"Hey Hey, My My (Into The Black)"
"Everybody Knows This Is Nowhere"
"Pocahontas"
"Spirit Road"
"Cortez The Killer"
"Cinnamon Girl"
"Mother Earth"
"Don't Let It Bring You Down"
"Goin' Back"
"Comes A Time"
"Heart Of Gold"
"Old Man"
"Mansion On The Hill"
"Get Behind The Wheel"
"Rockin' In The Free World"

Rappel:

"Like A Hurricane"
"A Day In The Life"

Lynyrd Skynyrd 05/06/09 Zénith de Paris

2009-06-09T18:25:00.027+02:00

(Photo de Francis Zegut)

Même pas remis de mes émotions au lendemain du concert apocalyptique de Neil Young au Zénith que je remets les pieds au même endroit pour Lynyrd Skynyrd. Je dois dire qu'à la base je n'étais pas très chaud pour y aller, le prix de la place étant exorbitant et préférant le Lynyrd Skynyrd de la grande époque avec les Ronnie Van Zant,Allen Collins,Gary Rossington, Steve Gaines,Leon Wilkinson,Billy Powell, Artimus Pyle.

Mais je me suis ravisé en me disant que finalement j'aime bien ce groupe, puis l'occasion de les revoirs ne se présentera pas de si tôt puisque la dernière fois que le groupe est venu c'était en 2003 à Bercy en première partie de Deep Purple et que le prochain décès mettra sûrement un terme à l'activité du groupe.

C'est donc vers 17h30, que je me présente devant le Zénith dans une file composé principalement de vieux Hardos drapeaux confédérés et longues barbes, se remémorant les souvenirs du bon vieux temps. A 18h30, les portes s'ouvrent et je me précipite à l'intérieur en profitant au passage pour m'acheter un T Shirt (le plus sobre possible, sans drapeau sudiste ou aigle dessus) puis je file dans la salle et me place du côté droit de la scène.
Je jette un coup d'oeil vers les gradins et je remarque avec stupéfaction que les Lynyrd n'ont pas fait sould out, les places gradins les plus hautes sont cachées par de grands rideaux et les gradins les plus proches de la scène sont recouverts par des grandes toiles. Mais la fosse se remplie vite et ce qui a pu être vendu de gradin aussi.

Étant venu seul, j'arrive à entamer la conversation avec un couple environ la cinquantaine qui était présent la veille pour Neil Young, ainsi que deux jeunes avec qui j'ai échangé mes coordonnés.
La première partie se pointe à 20h, un duo de guitaristes français qui chante et joue un peu dans l'esprit d'un Eddie Vedder, sympa pour patienter mais pas extraordinaire.

A 21 H c'est avec "Thunderstruck" d'AC/DC en fond sonore que le groupe fait son entrée, Johnny Van Zant reprenant le fameux gimmick "Aaah Thunder !!!" pendant quelques secondes pour laisser place au riff de Workin for MCA. Là ce que je craignais un peu est arrivé, le son est très fort voir inaudible au moment du solo mais ça s'arrangera grandement à partir du troisième morceau.
C'est un Lynyrd Skynyrd sans artifice qui se présente mis à part un rideau avec écrit Lynyrd Skynyrd God & Guns World Tour.
Si le public est un peu mou sur les premiers titres, sur Simple Man il chante en choeur avec Johnny Van Zant (sûrement le plus beau moment de la soirée).
Le groupe en lui même est très bon, on retrouve le facétieux Rickey Medlocke au poste qu'occupait jadis Allen Collins partageant la plupart des solos avec Mark Matejka. Gary Rossington seul membre de la formation d'origine déambule sur la scène tel un zombie mais assure tout de même très bien. Après toutes les épreuves qu'il a vécu c'est un peu lui l'âme du groupe et le seul membre qui peut expliquer la légitimité de cette nouvelle formation.
Quant à Johnny Van Zant c'est le frontman et le moteur de ce groupe, ne manquant jamais un moment pour titiller ses comparses. Je souligne au passage que les remplaçants des défunts Andy Powell et Ean Evans se sont très bien intégrés au groupe.

Le groupe enchaîne donc les classiques les uns après les autres: Saturday Night Special, Gimme Three Steps, Call Me The Breeze, That Smell (peut être mon titre préféré de Lynyrd Skynyrd), What's your name ?, Whyskey Rock A Roller.
J'attendais une petite remarque de Johnny Van Zant à propos du concert de Neil Young de la veille pendant Sweet Home Alabama mais ce ne fût pas le cas, un Sweet Home repris en coeur par le Zénith définitivement conquis.
Le groupe quitte alors la scène pour revenir avec l'inusable et incontournable Free Bird, classique incontournable pour les uns, joute guitaristique masturbatoire pour d'autres mais force est d'avouer que c'est un morceau idéal pour finir un concert et que les sensations qu'il procure sont plutôt jouissives.

Au final nous avons eu droit à 1h30 de concert, c'est peu c'est vrai, mais 1h30 de classiques vaut mieux que 2h30 de concert entrecoupé de remplissage. Je n'irais pas faire de comparaison avec le concert du Loner la veille, mais j'ai le sentiment d'avoir assisté à un très bon concert avec des musiciens pro et déconneur là où le vieux Neil s'est montré bourré de charisme et transcendant malgré quelques défauts évident.

Setlist:

1. Workin For MCA
2. I Ain't The One
3. Saturday Night Special
4. What's Your Name
5. Gimme Back My Bullets
6. Simple Man
7. That Smell
8. Medley: Whisky Rock-A-Roller/Down South Jukin'/The Needel And The Spoon/Double Trouble/Tuesday's Gone
9. Gimme Three Steps
10. Call Me The Breeze
11. Sweet Home Alabama
12. Free Bird

Roy Buchanan: A Street Called Straight (1976)

2009-05-05T11:34:00.011+02:00

"Le meilleur guitariste inconnu au monde"

1. Running Out 2:51
2. Keep What You Got 3:17
3. Man On The Floor 3:28
4. Good God Have Mercy 4:09
5. Okay 2:40
6. Caruso 3:24
7. My Friend Jeff 4:03
8. If Six Was Nine 4:09
9. Guitar Cadenza 3:47
10. The Messiah Will Come Again 4:09
11. I Still Think About Ida Mae 3:44

Longtemps inconnu du grand public, c'est en tant que sideman que Roy Buchanan se fait un nom dans le circuit Blues du début des 60's.
Grâce à l'expérience qu'il acquiert sur scène et en studio, il développe alors un jeu très personnel à base de descente de notes suraigus en staccato qu'il effectue sur sa Telecaster.

Très vite ses performances lui valent de figurer parmi les prétendants au remplacement de Brian Jones au sein des Rolling Stones en 1969. Buchanan déclinera l'offre préférant se concentrer sur une carrière solo.
Mais c'est un documentaire intitulé "The Best Unknown Guitarist In The World" (Le meilleur guitariste inconnu au monde)qui permet à Buchanan de sortir de l'anonymat et de signer un contrat pour une grande maison de disques dans la foulée.

Ses premiers albums témoigne tout de suite de son talent, même si le succès commercial reste mitigé, la critique, elle, est unanime.
Avec "A Street Called Straight" Buchanan ajoute une énorme pierre à son oeuvre musicale.

Dès le premier titre Running Out la signature sonore de Buchanan est perceptible. Roy fait hurler sa Telecaster comme jamais aucun autre guitariste ne l'avait fait avant lui.
Si ses albums précédents donnaient pour la plupart dans le Heavy Blues/Blues Rock ici certaines chansons prennent une couleur Soul/Funk assez déroutantes au premier abord. Mais que ce soit dans un registre calme Good God Have Mercy, ou plus rythmé Keep What You Got, le son aigu de la Telecaster de Roy Buchanan trouve aisément sa place.

Mais plus qu'ailleurs c'est sur ses instrumentaux que la guitare de Roy prend toute sa splendeur comme sur My Friend Jeff où Buchanan rend la pareille à son vieil amis de toujours Jeff Beck (qui avait dédier le titre "Cause We've Ended as Lovers" sur l'album Blow by Blow à Roy) en lui dédiant ce titre.

Autre hommage, cette fois ci à Jimi Hendrix avec la reprise du célèbre gaucher If six was nine où Buchanan au lieu de verser dans la caricature (comme c'est souvent le cas des reprises d'Hendrix) s'approprie littéralement le titre. L'instrumental Guitar Cadenza dans un esprit très hendrixien permet à Buchanan d'exposer sa technique guitaristique dans un déluge sonore qui tranche complètement avec la sérénité du titre suivant: The Messiah Will Come Again. Un titre qui figurait déjà sur l'album éponyme Roy Buchanan (1972) mais qui prend ici toute sa splendeur grâce notamment à une prod' plus adaptée et plus moderne.

Plus qu'un album de Blues ou de guitare, A Street Called Straight est le chef d'oeuvre d'un artiste original qui malgré un talent évident reconnu par ses pairs, reste encore aujourd'hui des années après sa mort "Le meilleur guitariste inconnu au monde".

(1939 - 1988)

AC/DC Londres O2 Arena 14/04/09

2009-04-21T14:49:00.041+02:00

A peine remis du choc de Bercy, ma sœur et moi décidons de remettre le couvert avec un deuxième concert. Londres apparaît comme une évidence pour plusieurs raisons: la proximité avec Paris, le côté symbolique (être dans la ville qui a vu l'ascension d'AC/DC) mais surtout parce que c'est la première fois que j'y mets les pieds.

Dimanche soir, c'est à l'aéroport de Lutton (au nord de Londres) que commence mon périple londonien et dès ma descente d’avion les premiers signes de dépaysement surgissent. L’épais brouillard et les premières voix parlant en anglais viennent me confirmer que j’étais bien arrivé à destination.
Nous quittons l’aéroport de Lutton direction Finchley Road (quartier du nord ouest de Londres) pour trouver refuge dans une vieille bâtisse du XIX e siècle du nom de Palmers Lodge reconvertie en auberge de jeunesse. Finchley Road se situant sur la Jubilee Line (ligne de métro) menant directement à North Greenwich, lieu où se situe l’O2 Arena, on ne pouvait trouver meilleur endroit où loger.

La journée du Lundi sera exclusivement consacrée à la visite de Londres et me permettra de me familiariser avec les transports en commun londonien. Au programme direction Abbey Road et son célèbre studio et prise de quelques clichés sur les célèbres passage piétons immortalisé sur l’album des Beatles.

Après une visite au National Gallery direction Buckingham Palace résidence de la reine puis Big Ben. Retour dans le nord de Londres dans le quartier de Camden Town où j’en profite pour acheter quelques T Shirt bien rock n’ roll pour terminer cette folle journée dans la capitale anglaise.

Le grand jour arrive enfin !!!

Ce n’est que une fois devant l’O2 Arena que je réalise que j’ai fait tout ce chemin depuis Paris pour voir mon groupe préféré. Sous ses allures de chapiteau géant l’O2 Arena ou Dôme du millénaire cache tout un complexe de restaurants, bars mais aussi salles d’expositions. A 11h30 nous nous mettons en quête de l’entrée F et à notre grande surprise seulement 8 personnes se trouve dans la file d’attente. Commence alors le début d’une interminable attente qui ne se terminera qu’à 18h30, heure à laquelle tout les fans anglais se ramènent en masse après avoir passé tout l’après-midi à siroter des pintes de bières dans les bars environnant.

A 18h45 en échange de nos place on nous donne des bracelets jaune fluo à mettre aux poignets et chose impensable c’est accompagné en file indienne que nous entrons dans la salle avec menace d’être raccompagné à l’arrière si nous nous mettons à courir. Nous nous plaçons côté droit de l’avancée près de la scène où j’ai une vue presque parfaite (ce fichu ventilo m’empêchera de voir Phil tout au long du concert). La salle n’est même pas pleine à craquer lorsque The Answer monte sur scène. Je ne m’attarderais pas d’ailleurs sur le groupe qui n’est pas ma tasse de thé et qui ce soir à fait un set éclair (3 ou 4 chansons) sûrement pour être dans les temps et ne pas finir trop tard (Ah oui !! Là bas tout ferme très tôt que ce soit les boutiques, musées et salle de concert). Mais fort heureusement ce n’est pas un concert éclair que nos boys vont donner ce soir mais bien un des meilleurs concerts de cette tournée. Si le public anglais est silencieux avant le début du concert ce n’est plus le cas par la suite dès l’apparition du cartoon sur l’écran le public entre en transe.

Dès Rock n’ Roll Train le ton est donné, le son est très bon, bien meilleur qu’à Bercy. Brian et Angus semblent à nouveau avoir dix ans de moins et arpentent la scène de long en large. Moment d’extase pour moi d’emblée Brian s’approche et vient taper dans ma main.

Les titres s’enchaînent (Hell ain’t a bad place to be, Back in Black, Dirty Deeds…) et le plaisir est à chaque fois le même. Les titres du dernier albums sont tous dans l’ensemble plutôt bien accueillis par le public anglais. Pour ma part Black Ice est le titre du dernier album qui soutien le mieux le passage au live, avec un Angus complètement déchaîné qui inaugure un nouveau pas de danse en fin de morceau. Reste Anything Goes que j’appréciais sur l’album mais qui me déçoit de plus en plus en live par son manque de pêche.

Quoi qu’on en dise le strip tease d’Angus reste un moment clé des concerts d’AC/DC et surtout un grand moment de franche rigolade. Combien de groupes sont capable de se tourner en dérision comme ils le font ?

Et les classiques ont beau être entendu des milliers de fois mais force est d’avouer que sans les Hell’s Bells, Shoot to Thrill, Whole Lotta Rosie, T.N.T les concert d’AC/DC n’aurait pas la même saveur. Lorsque l’heure de la prière sonne avec Let There Be Rock il n’y a plus de doute possible. AC/DC est bien la plus grosse machine à riffs sur cette terre.

Highway to Hell et For Those About To Rock terminent les festivités, l’hypothétique surprise n’arrivera jamais et finalement c’est mieux ainsi. Chaque dates de cette tournée européenne des salles aura eu droit à la même setlist mettant chaque pays sur le même piédestal.

We salute you London !!!

Setlist:

"Rock 'n' Roll Train"
"Hell Ain't a Bad Place To Be"
"Back In Black"
"Big Jack"
"Dirty Deeds Done Dirt Cheap"
"Shot down in Flames"
"Thunderstruck"
"Black Ice"
"The Jack"
"Hells Bells"
"Shoot To Thrill"
"War Machine"
"Anything Goes"
"You Shook Me All Night Long"
"T.N.T."
"Whole Lotta Rosie"
"Let There Be Rock"

Rappel:

"Highway To Hell"
"For Those About To Rock (We Salute You)"

Sean Costello - We Can Get Together

2009-03-31T09:26:00.011+02:00

L'étoile filante du Blues.

1. Anytime You Want (3:42)
2. Same Old Game (3:29)
3. Can'T Let Go (4:40)
4. Told Me A Lie (3:34)
5. Hard Luck Woman (3:23)
6. How In The Devil (3:36)
7. Have You No Shame (4:52)
8. Going Home (3:31)
9. All This Time (4:06)
10. Feel Like I Ain'T Got A Home (3:25)
11. Little Birds (4:52)

La vie de Sean Costello aura été courte. Le 15 avril 2008 lorsqu'il décède la veille de son 29 ème anniversaire dans sa chambre d'hôtel à Atlanta disparaît avec lui l'espoir d'une brillante carrière et d'un renouveau pour le Blues.

Bien connu du circuit Blues depuis une dizaine d'année, c'est à 17 ans qu'il enregistre son premier album Call the Cops (1996) mais c'est sa collaboration à l'album de Susan Tedeschi Just Won't Burn (1998) qui lui assure sa renommé dans le milieu. Très vite il croise le fer avec les plus grands ( BB King, Hubert Sumlin, Buddy Guy, James Cotton... ) et commence à entretenir une réputation de grand performer.

Sur son ultime album We can get together (2008) Sean Costello assume pleinement ses influences et passe d'un registre à un autre avec une aisance déconcertante. Sa voix éraillée à la Howlin' Wolf prend toute sa dimension sur les titres How in the Devil, Hard Luck Woman, We Can Get Together et Little Birds qui donne l'impression d'être un chant de chain gang tout droit sorti du fin fond du Mississippi.

Son jeu de guitare est tantôt dur et âpre comme sur Feel Like I Ain't Got A Home ou Same Old Game (qu'un John Fogerty ne pourrait renier), tantôt empli de douceur comme sur les très Soul Can't Let Go et Going Home où sa guitare tutoie à s'y méprendre celle d'un BB King.

A la fin de l'écoute de cet album deux sentiments prédominent: celui d'avoir écouter un album formidable (sûrement un des meilleurs albums de Blues/Blues Rock de la décennie) et une grande frustration de se demander ce que cette étoile montante aurait pu faire si elle n'avait pas été arrêtée si brusquement dans sa course.

Discographie:

-Call The Cops (1996)
-Cuttin' In (2000)
-Moanin' For Molasses (2002)
-Sean Costello (2005)
-We Can Get Together (2008)

(1979 - 2008)

Rory Gallagher - Irish Tour

2009-03-30T11:30:00.008+02:00

Ladies and Gentlemen... Rory Gallagher !!!

1.Cradle Rock - 7'36
2.I Wonder Who - 7'53
3.Tattoo'd Lady - 5'02
4.Too Much Alcohol - 8'29
5.As the Crow Flies - 5'51
6.A Million Miles Away - 9'36
7.Walk on Hot Coals - 11'30
8.Who's That Coming ? - 10'10
9.Stompin' Ground (After Hours) - 5'22
10.Maritime - 0'33

En 1974, Rory Gallagher n'est plus à présenter... cela fait alors 4 ans qu'il a quitté le power trio Taste avec lequel il a connu la reconnaissance ultime lors du Festival de l'île de Wight en août 1970 et qu'il s'est lancé dans une carrière solo des plus prometteuse. Avec déjà 5 albums au compteur dont un live (le fameux Live in Europe) Rory remet le couvert avec une tournée intense à travers l'Irlande dont deux dates serviront de support pour ce deuxième album live.

Initialement baptisé Irish Tour 74' il sera rebaptisé Irish Tour lors de sa réédition CD et verra son contenu légèrement modifié avec le remplacement du titre Just a Little Bit par un court instrumental d'une trentaine de seconde Maritime. De plus sa jaquette d'origine d'un gris très sobre est remplacé par une photo de Rory guitare en main semblant plus dater de la fin des 70's.

Dès les premières notes le ton est donné, le son de la strat au vernis élimé investi l'espace et retient directement l'attention. Rory lance alors le riff explosif de Cradle Rock nouveau titre issu de l'album Tattoo. Le moment de grâce de ce morceau reste sûrement le passage au bottleneck où Rory chante à l'unisson avec sa guitare (une des nombreuses caractéristique du jeu de l'irlandais).

Rory présente alors son groupe composé de Rod De' Ath (batterie), Lou Martin (clavier) et de l'inséparable Gerry Mc Avoy (basse) qui est sûrement la meilleure formation avec laquelle le guitariste irlandais a pu évoluer au cours de sa carrière.

Gallagher se fait alors plaisir en reprenant un titre d'une de ses idoles (Muddy Waters) avec I Wonder Who... un slow blues où Rory fait part de son amour pour le Blues et expose sa virtuosité à travers des bends dégoulinant de feeling et de rage.

Le disque se poursuit avec toujours autant d'intensité avec notamment un de ses titres les plus forts Tattoo'd Lady issu lui aussi de l'album Tattoo où Rory se fend d'un solo d'anthologie.
Too Much Alcohol reprise du bluesman J.B Hutto que Rory reprend d'habitude en acoustique est reprise ici à l'électrique dans une version non pas dénué d'intérêt mais qui souffre un peu de la comparaison avec les versions habituelles.

Avec As the Crow Flies reprise de Tony Joe White, Gallagher prouve quel guitariste doué et éclectique il pouvait être. Avec sa National Resonator il fait sonner ce titre acoustique avec autant d'énergie que les titres les plus Rock de son répertoire.

Sur A Million Miles Away une nouvelle facette de son talent peu reconnu et bien trop éclipsé par ses talents de guitariste apparaît à savoir ses talents de parolier. Avec ce titre Rory crée un hymne à la solitude. Assis au comptoir du Bar d'un hôtel il se sent à des "millions de kilomètres naviguant comme une épave dans une baie balayée par le vent". Connaissant un peu la personnalité solitaire de Gallagher ces paroles ont tout du texte autobiographique.
Bien sûr la musique n'est pas en reste Rory demeure toujours aussi brillant et habile dans son art et propose ici une version puissante et une perfection qu'il atteindra rarement sur ce titre lors des tournées qui suivront.Les autres musiciens aussi se démarque sur ce titre avec notamment un splendide solo d'orgue de Lou Martin.

Sur les titanesques Walk on Hot Coals et Who's that Coming ?, Rory transcende l'auditoire, prouvant (si il est utile de le rappeler) quel virtuose il était.

Ce Irish Tour perd malheureusement un peu de sa magie et de sa cohérence avec Stompin' Ground (After Hours) un titre studio mis en fin d'album ainsi que le court instrumental Maritime qui achève ce live d'une drôle de manière.
Malgré ce petit détail Irish Tour demeure un sommet dans la discographie de Rory Gallagher que tout fan se doit de posséder.

(1948 - 1995)

MC5 - Kick Out The Jams

2009-03-30T10:38:00.009+02:00

Right now it's time to... Kick out the Jams, Motherfucker !!!

1."Ramblin' Rose" – 4:15
2."Kick Out The Jams" – 2:52
3."Come Together" – 4:29
4."Rocket Reducer No. 62 (Rama Lama Fa Fa Fa)" – 5:41
5."Borderline" – 2:45
6."Motor City Is Burning" – 6:04
7."I Want You Right Now" – 5:31
8."Starship" – 8:15

MC5 précurseur de la vague Punk au même titre que les Stooges livrent avec ce live une prestation mythique enregistrée le 30 octobre 1968 au Grande Ballroom de Detroit. Le groupe composé du charismatique chanteur Rob Tyner,de la paire de guitariste Wayne Kramer et Fred "Sonic" Smith,du bassiste Michael Davis et du batteur Dennis Thompson nous emmène pour 36 minutes d'intense sauvagerie Rock' n Roll comme on en a jamais vu à l'époque.

Ici le perfectionnisme n'est pas de mise,l'important c'est la portée du message politique et révolutionnaire, et rien de mieux pour le diffuser que d'haranguer un public en attente de décibel comme l'atteste le titre d'ouverture "Ramblin' Rose". La magie de ce live n'existerait pas sans ses titres mémorables dont le mythique "Kick out the Jams" introduit par un Rob Tyner qui vocifère "Right now... It's time to... Kick out the jams Motherfucker !!!" Les solos de Wayne Kramer et Fred "Sonic" Smith s'entrelace dans un déluge de décibel apocalyptique comme dans "Rocket Reducer Rama Lama Fa Fa Fa". Histoire de calmer l'ambiance mais pas les esprits,le groupe interprète un Blues à sa sauce "Motor city is burning" qui relate les incidents de Detroit qui eurent lieu l'année précédente.

Bien avant les Clash ou les Sex Pistols le Motor City Five avait compris que le Rock pouvait servir d'étendard pour porter les idées révolutionnaires. Certains membres paieront de cet attachement aux idéaux révolutionnaires comme Wayne Kramer qui fera de la prison.

A sa sortie en 1969 ce live est plutôt bien reçu hormis par Lester Bangs du magazine Rolling Stone qui ne se gêne pas pour rabaisser et ridiculiser la formation.
Néanmoins avec le temps et avec l'apparition du mouvement Punk à la fin des 70's cet album est vite devenu une référence pour de nombreux artistes(Rage against the machine,Jeff Buckley,Jack White,Monster Magnet,Silverchair...) issus de divers genres musicaux qui voient en cet album (et dans les MC5 d'une manière générale) une influence majeur.

De gauche à droite: Fred "Sonic" Smith,Dennis Thompson,Rob Tyner,Wayne Kramer,Michael Davis.

MC5 - Kick Out The Jams
envoyé par moriganne. - Regardez d'autres vidéos de musique.

AC/DC Bercy 25/02/2009

2009-03-29T18:06:00.011+02:00

Il y a un an c'était inespéré de revoir la formation des frères Young pointer le bout de son nez.
Mais la sortie en octobre 2008 de Black Ice venait confirmer que la machine AC/DC était de nouveau en marche.
Avec une tournée à la clef et deux passages en France au Palais Omnisports de Bercy les 25 et 27 février 2009.

La journée du 25/02 ne pouvait pas être plus belle. Une météo favorable avec un soleil éclatant, rien de mieux pour passer 5 heures d'attentes dans les meilleurs conditions. Je me pointe dans les parages du POPB dès 13h pour rejoindre un ami qui a réussi par chance à obtenir une place à la dernière minute.
Cinq heures d'attentes debout ça reste tout de même une épreuve et les moins courageux sont assis par terre et révise leur classique acdcéen avec leur I Pod. Pour mettre un peu d'animation un écossais vêtu d'un kilt joue de la cornemuse allant du répertoire traditionnel écossais aux reprises d'AC/DC (It's a long way to the top,Hard as a Rock...).
A 18h le POPB ouvre ses portes et c'est la folie pure, tout le monde tappe un sprint afin d'être le mieux placé possible. Pour ma part je n'ai pas trop à me plaindre, je trouve une place côté droit de la scène contre la passerelle centrale. De là j'ai une vue imprenable sur la scène et n'ai pas besoin de fixer les écrans géant pour voir quelques choses.
Après 1h30 d'attente la première partie pointe le bout de son nez.

The Answer groupe de Hard Rock irlandais dont les influences paraissent être Led Zeppelin et Black Sabbath. Le chanteur au look très seventies à la chevelure abondante et dont les mimiques scéniques semble être un mix entre Robert Plant,Ian Gillan et Joe Cocker. Côté voix c'est une voix haute dans la pure ligné des chanteurs hurleurs des 70's.
Le groupe à défaut d'être original envoie bien la sauce et est plutôt bien accueillis par le public d'AC/DC qui est réputé pour ne pas ménager les premières parties.

La première partie terminée c'est repartie pour 30 min d'une interminable attente. Sur scène on accorde les instruments... c'est pour moi l'occasion de voir pour la première fois la fameuse Gibson SG de Angus Young entre les mains d'un roadie.
Autour de la passerelle une équipe de photographe se met en place... et parmi eux je vois un petit bonhomme avec une barbe et des lunettes. Arrivant pas trop loin de moi je porte mes mains en porte - voix et je crie "Salut Tonton Zézé !!!".
Francis Zégut me répond par un sourire et en levant le pouce en l'air.

Les roadies quittent la scène et le public en transe entame une ola et y va de ses "Angus!! Angus!!".
Pour patienter j'essaie de reconnaître la musique qui passe en fond, c'est un titre Blues que j'ai du mal à reconnaître.
C'est au moment où je constate qu'il s'agit de Buddy Guy que la musique se coupe ainsi que les lumières.
La salle rentre en transe et pousse des hurlements pas possible lorsque le cartoon fait son apparition sur l'écran géant.
Un cartoon à l'esprit bien acdcéen avec tout les sous entendu sexuel possible inimaginable avec un Angus Young au commande du Rock n' Roll Train.
A la fin de la vidéo on a l'impression que la locomotive va sortir de l'écran (ce qu'elle fait en quelques sortes), le grand écran se sépare en deux laissant apparaître une locomotive sous un déluge pyrotechnique dont la chaleur se ressent jusqu'aux personnes (dont je fais partis) se trouvant devant la scène.

Le groupe fait son entrée sur scène et résonnent alors les premiers accords de Rock n' Roll Train.
Premier constat: le son est fort, très fort un peu brouillon même mais ça s'arrangera dès le second titre.
Second Constat:malgré une moyenne d'âge de 53 à 61 ans le groupe a une énergie qui ferait pâlir pas mal de jeunes groupes.

Angus Young visiblement en forme enchaîne les duckwalks, aborde la passerelle et joue encore incroyablement bien pour un gratteux que l'on disait devenu mou du genou. Je trouve même qu'il a gagné en endurance depuis le Stiff Upper Lip Tour il y a 8 ans. Quand aux trois autres,Malcolm Young, Phil Rudd et Cliff Williams ils demeurent imperturbable, laissant à Brian Johnson et à Angus le soin d'assurer le spectacle visuellement parlant.

Les titres s'enchaînent à une vitesse folle, Hell ain't a Bad Place to Be, Back in Black et son riff qui frappe comme un coup de poing,Dirty Deeds Done Dirt Cheap, Shot Down in Flames un classique de l'ère Bon Scott qui a fait son retour dans la setlist depuis le début de cette tournée européenne.
Au bout des trois premiers titres on commence à évacuer des personnes (des jeunes filles principalement) qui avaient présumé de leur force et sous estimé la chaleur dégagée par des centaines de personnes dans la fosse.

Tandis que dans la fosse on se démène comme on peut pour résister sur scène nos compères pètent la forme. Brian Johnson n'a jamais aussi bien chanter et a une aisance dans son chant qu'il n'avait pas ou plutôt perdu lors des tournées Ballbreaker et Stiff Upper Lip.Pour preuve sa voix sur le classique inusable Thunderstruck.
Autres choses qui m'a bluffé et forcé le respect chez Brian... c'est la proximité avec le public, cette jovialité,tentant de serrer le plus de paluches possible avec toujours le même sourire aux lèvres. Et je reconnais seulement aujourd'hui qu'il était le remplaçant idéal de Bon Scott.Ce qu'il n'a pas en charisme et en regard magnétique il le compense par sa grande jovialité et avec de l'énergie à revendre. Du haut de ses 61 ans on ne peut imaginer qu'un tel showman (il faut le voir sauté sur la grosse cloche sur Hells Bells) puisse tirer sa révérence après près de 30 ans de bons et loyaux service au sein d'un des plus grand groupe de l'histoire du Rock.

Le concert poursuit sur sa lancée, les titres du dernier album à savoir Big Jack, Black Ice, War Machine sont très bien accueillis et scandé par le public. Seul Anything Goes aux accents popisant semble avoir laisser le public plutôt perplexe.

On ne peut pas éviter l'éternel strip tease d'Angus qui se fait sur The Jack. Un strip tease plutôt vite expédié où Mr Young baisse son bermuda pour laisser admirer son caleçon AC/DC.

La dernière partie du concert laisse place aux grands classiques You Shook Me All Night Long, Whole Lotta Rosie avec la grosse poupée gonflable qui chevauche pour l'occasion la locomotive, T.N.T dont les "OI!! OI!! OI!!" sont repris par l'ensemble de Bercy.

Puis viens l'heure de la grand messe Rock n' Roll avec Let There Be Rock et les solos tonitruant d'Angus Young.
Un Angus qui parcourt la passerelle jusqu'à une plate forme qui l'élève en hauteur et sur laquelle il se roule littéralement par terre. Il retourne enfin sur scène au dessus de Phil Rudd pour un dernier solo qui enflamme Bercy.

Il faut attendre quelques minutes avant de voir jaillir de la fumée de dessous la scène. De cet halo de fumée sort un Angus doté de cornes sur le front qui gratte les premiers accords de Highway to Hell rendant le public totalement hystérique.

Les premières notes de For Those About To Rock (we salute you) sonnent alors la fin des festivités, les cannons plus vrais que nature retentissent et Brian lance un "We salute you Paris !!!" qui je suis sûr à du en faire pleurer plus d'un.

Les lumières se rallume et le temps de trouver la sortie chacun s'échange ses impressions avec le même constat. Celui d'avoir assisté au concert d'une des plus grandes machine que le Rock ait connu. Aucun regret ni reproche si ce n'est de ne pas pouvoir assisté au deuxième concert le 27 février. D'ores et déjà le rendez vous est pris pour le 14 avril à Londres et le 12 juin au Stade de France.

Setlist:
"Rock 'n' Roll Train"
"Hell Ain't a Bad Place To Be"
"Back In Black" "Big Jack"
"Dirty Deeds Done Dirt Cheap"
"Shot down in Flames"
"Thunderstruck"
"Black Ice"
"The Jack"
"Hells Bells"
"Shoot To Thrill"
"War Machine"
"Anything Goes"
"You Shook Me All Night Long"
"T.N.T."
"Whole Lotta Rosie"
"Let There Be Rock"

Rappel:
"Highway To Hell"
"For Those About To Rock (We Salute You)"

AC/DC - BACK IN BLACK - BERCY 25/02 By Xav'

Neil Young - Harvest

2009-03-29T17:33:00.005+02:00

L'album touché par la grace...

1."Out on the Weekend" – 4:35
2."Harvest" – 3:03
3."A Man Needs a Maid" – 4:00
4."Heart of Gold" – 3:05
5."Are You Ready for the Country?" – 3:21
6."Old Man" – 3:22
7."There's a World" – 3:00
8."Alabama" – 4:02
9."The Needle and the Damage Done" – 2:00
10."Words (Between the Lines of Age)" – 6:42

Rien qu'à la vue de la pochette on sait que l'on tiens entre ses mains un album incontournable,le design très sobre et rustique annonce ce dont il retourne lorsque l'on jette son oreille à ces 10 titres d'une apparente simplicité et d'une sérénité rarement atteinte.

Pour Harvest Neil Young laissera un peu de côté le son crade de l’électrique (à cause d’une hernie discale qui l’empêchait de jouer de sa guitare électrique et l‘obligeait de jouer dans un registre plus calme). Sauf sur trois titres dont un live et l’excellent brûlot antiségrégationniste « Alabama » dont Lynyrd Skynyrd se fera un malin plaisir à répliquer de façon méchamment satirique un an plus tard avec leur « Sweet Home Alabama ».

Le reste de l’album demeure donc essentiellement acoustique et renferme quelques petits bijoux comme « Harvest », « Old Man », « Out on the Weekend » et surtout le grand « Heart of Gold » qui égale voir surpasse Dylan dans son registre de prédilection et va même jusqu’à pousser au respect de ce dernier: " A chaque fois que j'entendais "Heart Of Gold", je me sentais contrarié. Je me disais : merde, c'est moi. Puisqu'il sonne comme moi, c'est moi qui aurait dû chanter ça. " (Bob Dylan)
Il s’entoure pour l’occasion de ses amis de Crosby,Stills,Nash (and Young) ainsi que de James Taylor qui participera au cœur de "Old Man" et "Heart of Gold".
De ce côté intimiste et sobre Young passe à la grandiloquence avec les orchestrations symphonique de "There’s a World" et de "A Man Needs A Maid" preuve de son incroyable éclectisme. Le père du Grunge montre sur Harvest qu’il peut se balader facilement d’un genre à l’autre au gré des titres sans pour autant perdre cette simplicité et cette sérénité qu’il a tant chercher à capter.

Bien que n’étant pas l'unique joyaux de la discographie magistrale et éclectique de Neil Young,Harvest demeure un sommet de sobriété et de sincérité qui en fait un des albums majeurs de l’histoire du Rock.

Neil Young - Tonight's the Night

2009-03-29T17:18:00.007+02:00

Le Blues du Loner.

1.Tonight's The Night - Part I 04:39
2.Speakin'Out, 04:56
3.World On A String, 02:27
4.Borrowed Tune, 03:36
5.Come On Baby Let's Go Downtown, 03:35, Live at Fillmore East,
6.Mellow My Mind, 03:07
7.Roll Another Number (For The Road), 03:02
8.Albuquerque, 04:02
9.New Mama, 02:11
10.Lookout Joe, 03:57
11.Tired Eyes, 04:38
12.Tonight's The Night - Part II, 4:52

A la genèse de ce chef d'oeuvre,Neil Young voulait sortir un concept album avec pour histoire,celle de l'ascension d'un roadie qui devient Rockstar puis sombre finalement petit à petit dans l'enfer de la drogue et qui finira par en mourir.

Neil Young étant lui même rongé par la drogue et l'alcool et plongé dans un état de profonde détresse après la mort du guitariste Danny Whitten et du roadie Bruce Berry,tout deux mort d'overdose. Il abandonne alors l'idée du concept album (plus par contrainte physique et psychologique que par soucis artistique).

Neil Young complètement ravagé par la coke et l'alcool aurait pu comme bien des artistes atteint d'addiction sombrer dans la médiocrité en sortant un album sans aucune âme et consistance.

Or avec "Tonight's the Night" il atteint un nouveau sommet dans sa carrière. Ce sommet ne réside pas dans l'aspect technique au contraire par moment ça joue faux sur ce disque et Neil Young peine comme jamais à chanter haut dans les aigus comme sur le sublime "Mellow my Mind" mais ce manque de justesse témoigne parfaitement du malaise et des tourments du Loner. Du mélancolique "Albuquerque" au déchirant "Tired Eyes" en passant par la tendre ballade "Borrowed Tune" librement inspirée de "Lady Jane" des Rolling Stones, Neil Young se dévoile comme pour lâché un poids lourd qui lui est trop difficile de porter.

Il n'y a guère que "Come On Baby Let's Go Downtown" tiré d'un live au Fillmore East (avec le guitariste Danny Whitten au chant) pour apporter une légère touche de gaieté dans cet océan de noirceur. Mais là encore il s'agit d'un ultime hommage que rend le Loner à son guitariste défunt.
C'est donc une impression de mal être et de mélancolie qui domine tout au long de cet album. Neil Young le dira lui même "C'est un album a ne pas écouter au petit déjeuner. "

Moins facile d'accès qu'un "Harvest" ou "After the Gold Rush"..."Tonight's the Night" demeure avec "On the Beach" le chef d'oeuvre de noirceur du grand Neil Young.